Lo mejor de esta semana

Mis vecinos los Yamada

No deja de ser curioso que la película más experimental y menos conocida de Ghibli, sea precisamente la que habla de algo tan tradicional y cotidiano como las relaciones familiares, por medio de una divertida y melancólica comedia. Su modesta recaudación en taquilla, en comparación con el resto de producciones y su aparentemente anodina temática, hacen que sea frecuentemente esquivada por el radar de los aficionados. Craso error. Mis vecinos los Yamada es una pieza única dentro de la filmografía del estudio por presentar una historia no lineal, donde recrea una serie de viñetas humorísticas acerca de la vida familiar, sin continuidad entre sí mismas, haciendo posible verlas por separado o en orden aleatorio, a la vez que mantiene la estética visual de las tiras cómicas originales.

Lo destacable del caso es que justamente para lograr un aspecto artesanal inspirado en acuarelas, fue necesario dar un salto tecnológico (y presupuestario, todo sea dicho) para ser la primera película del estudio en abandonar por completo las técnicas tradicionales de animación en celdas, para llevar a cabo la animación de forma completamente digital en su lugar. El resultado es una fascinante pieza minimalista que cumple el propósito de ser fiel a sus orígenes.




La película es una adaptación de la popular tira cómica del mismo nombre, publicada por Hisaichi Ishii en el diario japonés Asahi Shimbun desde 1991. Una familia tipo, entrañable e incorrecta a partes iguales, formada por un padre asalariado y una madre ama de casa, Takashi y Matsuko; una pizpireta hija pequeña y un hijo adolescente con dramas existenciales, Nonoko y Noboru; una sabia abuela sin pelos en la lengua, Shige (porque en ninguna comedia familiar puede faltar la suegra) y el perro. Ellos componen una radiografía de la sociedad japonesa contemporánea, a través de la cual Isao Takahata disecciona, analiza y se ríe de su sujeto mientras extrae aquellos elementos primordiales que hacen que el relato atraviese fronteras y supere diferencias culturales para que cualquiera pueda identificarse con él, a pesar de contar con elementos marcadamente japoneses. Cada segmento incluye haikus relacionados con el tema en cuestión, así como referencias al folclore japonés, omnipresentes en la obra de Takahata que además, visto en perspectiva, daban una pista sobre cuál sería su siguiente proyecto (El cuento de la princesa Kaguya, 14 años más tarde y ya reseñado en estas páginas por servidora).

La ausencia de estructura narrativa, que a priori parece jugar en su contra, permite la suficiente libertad para tener un lienzo lleno de pinceladas aquí y allá, que resulta efectivo para crear un retrato global donde todos podemos vernos reflejados. El primer segmento abre con un monólogo magistral frente a la pareja recién casada, que reflexiona sobre los desafíos que presenta el “viaje” de la vida en pareja y la crianza de los hijos. Reflexiones que se mantienen en otras viñetas que además incluyen temas como la relación con la familia política, la resolución de conflictos y hasta el primer amor adolescente. Son inquietudes a las que nadie es ajeno, podrían ser nuestros vecinos o nuestra propia familia. 

Ficha Técnica


Nombre Original: Hōhokekyo Tonari no Yamada-kun

Director: Isao Takahata

Estudio: Ghibli

Año: 1999

Género: Fantasía, ciencia ficción.

Nov Yermo Ediciones febrero'17


Coincidiendo con el 1er Salón Internacional del Cómic y Manga de San Sebastián llega el 1er volúmen de Hauteville House (Gioux/Quet) como novedad de Yermo Editorial. Pero no es la única:

Novedades Yermo Febrero 2017 by KoukyouZen on Scribd

Cine freak salvaje: Guest house Paradiso


  
   Hay mucho silencio en mi mazmorra esta tarde, interrumpido sólo por algún crujido ocasional de papel, o el chorrito del samovar cuando nos servimos otra taza de té. ZombiD, el tiíto Creepy y yo, hemos hecho "tarde de lectura", así que cada cual tiene la nariz metida en un libro. Tiíto Creepy lee los cuentos de Edgar Alan Poe, D La novia en el ataud, y yo Iznogud ve las estrellas. En una de estas que mi tío se levanta a ponerse otro té y unos dátiles, se nos queda mirando. 

    —Tal para cual. - dice, reprobatorio - Si basura el uno, basura la otra. - Ante nuestra mirada de indignación, continua - ¡Con la de libros magníficos que hay para leer, con la de autores edificantes y de calidad que tenemos en la biblioteca, y miraos! Uno leyendo novelas baratas de a tanto el kilo, y la otra leyendo cómics de un humor que ya no era ni recurrente, era pelmazo. 

     —Mira quién habló - contesta mi novio - ¡Tú te has leído los cuentos de Poe lo menos cien veces!

     —Sí, mucho decir de los autores, pero no te veo que le eches mano a Clive Barker, para ti no hay autores desde los cincuenta para acá. 

     —La calidad puede ser disfrutada en la misma medida una y otra vez -se defiende el tiíto - Esos autores nuevos son buenos, pero no pueden competir con los clásicos que aportaron carácter al género. ¿Me quieres decir qué puede aportarte a ti leer historietas de un personaje que siempre pierde? ¡Desde que comienza, ya sabes que va a fracasar!

     —Es cierto, pero no sé CÓMO va a fracasar. - El tío suspira y se va con aire de "os dejo por imposibles". Es posible que el cómic sea un género menor, que Iznogud sea un personaje al estilo del Coyote, pero precisamente por eso, atrayente. Su forma de perder, es lo que le hace único. Y de perdedores precisamente vamos a hablar. Hoy, en Cine freak salvaje: Guest house Paradiso.


      Si uno quisiera definir el humor, podría verse en un aprieto, porque decir algo como "lo que causa risa", no serviría para describirlo de forma eficaz, dado que cada uno tiene su particular humor y lo que a alguien le hace reír a carcajadas, otro no le ve ninguna gracia. Para mí, el humor es coger una situación normal, y quitarle la lógica. Cuanta más lógica quitemos, mayor será el humor. Así, la lógica nos dice que los golpes duelen muchísimo, que si uno conduce dormido lo más fácil es que se estrelle, y que si a alguien le encerramos en un horno encendido, es muy probable que ese alguien, no lo cuente... pero si quitamos la lógica de todas esas situaciones, si hacemos que los golpes duelan sólo un momento, que alguien que conduce dormido se salve milagrosamente de cualquier percance y que la persona salga del horno sólo con la piel roja y el pelo quemado (que le volverá a aparecer bien en la siguiente secuencia), entonces nos encontramos con la comicidad. Y con un tipo de humor llamado "humor físico", también llamado "humor de porrazos". 


     En la historia que nos ocupa, Richie Twat (se pronuncia "Thwat". Porque "twat" significa "coñ...", bueno, es una palabra malsonante, digamos) y Eddie Hitler (sí.) regentan un pequeño y coqueto hotelito de vacaciones en un emplazamiento privilegiado, junto a un acantilado de la costa inglesa. Por la carretera que lleva al hotel pasan pocos coches, sobre todo pasan camiones procedentes de la central nuclear que hay al lado, de modo que el aire lleva el olor a sal y a residuos tóxicos. De hecho, es el hotel más barato y horrendo de toda Gran Bretaña, apto solo para rodar cine de terror, o, como es el particular, una comedia de trazo tan grueso como hilarante. 


     Mientras Richie ocupa el puesto de gerente y director del hotel, Eddie es el botones, camarero, y ayudante de todo, y ninguno de los dos ya no es que estén capacitados para desempeñar su puesto, sino que no parece que acaben de tener claro el significado de la palabra "trabajo". Así, Richie no disimula su escasísima paciencia con todo el mundo, su desprecio generalizado hacia todo y todos, y su desesperación sexual, y Eddie tampoco oculta su desmedido gusto por las bebidas espirituosas. Ante la imposibilidad de conseguir que las cosas funcionen como deben y ante cualquier intercambio de pareceres, Richie y Eddie se enzarzarán en continuas peleas físicas en las que no dudarán en atizarse mutuamente con cualquier cosa que encuentren a su alrededor, ya sea golpeando la cabeza del uno con la puerta del frigorífico, o retorciéndole al otro con una tenaza los testículos. Antes me quedo corta que exagero. 


   No era ni remotamente la primera vez que Rik Mayall y Ade Edmonson trabajaban juntos. Habían empezado a hacerlo en el año 1976, en la comedia 20th Century Coyote, donde se conocieron y se establecieron como pareja artística, creando los personajes de Rich y Eddie, vagamente inspirados en ellos mismos. Más tarde, trabajaron en la emblemática serie Los jóvenes, y después en "Filthy, Rich and Catflap", "The Dangerous Brothers" y a principios de los noventa en "Bottom", serie que llegó a España con el título La pareja basura, emitida en parte por Canal Plus y en su totalidad por la televisión catalana. En la citada serie, los personajes de Richie y Eddie quedaron construídos tal como los conocemos hoy, como dos míseros solitarios comodones y cuya amistad en realidad es muy cuestionable, pero aún así duradera. A través de las desventuras que vivían en los episodios, podíamos verles fracasar y perder una y otra vez en sus intentos por conseguir dinero, amistad, amor (o simplemente sexo, tampoco hay que ponerse exquisitos), pero siempre de forma salvajemente cómica. 


      En sus personajes, Richie y Eddie hicieron tres temporadas de La pareja basura (hoy se pueden conseguir en dvd), donde los protagonistas acabaron casi siempre apalizados y hasta muertos en varias ocasiones al grito de "oh, shit!", pero su éxito fue tan grande que propició cinco especiales en teatro a lo largo de los años. Como actores de la vieja escuela y verdaderos cómicos, no vacilaban en improvisar y romper la cuarta pared con una facilidad e hilaridad pasmosas, demostrando al público no sólo la extraordinaria pareja cómica que formaban y lo bien que se compenetraban, sino también la calidad de su talento. Las cinco obras teatrales están disponibles en Youtube subtituladas al castellano, pero aquí os dejo un momento (desgraciadamente sin subtitular) de la primera de ellas, sólo para que veais a Eddie diciendo "chúpate esa, Alan Rickman" cuando le aplauden tras decir una de sus frases-estrella; "fango en éste oído, fango en éste otro, ¿no anhelas un cambio?":





     Gracias al éxito obtenido, también pasaron a la gran pantalla en la cinta que nos ocupa que, todo hay que decirlo, no obtuvo el éxito deseado y no llegó a ser estrenada en España, si bien hoy día, gracias a la magia de las compras por internet, podemos conseguirla en vo con subtítulos en inglés sin ningún esfuerzo (aparte del monetario, claro está). Richie y Eddie decidieron quedarse en los escenarios, demostrando que eran animales de tablas, improvisación y público; de hecho, todas sus series se habían rodado con público en directo, las risas no eran enlatadas. 


   Guest house Paradiso u Hotel Paraíso es una cinta de humor salvaje y gamberro, donde los porrazos, enredos y las bromas picantes componen la comicidad, y el guión, aunque sólido, es el justo para hilar los gags y está al servicio de estos por completo. Es una cinta fácil en su contenido, pero difícil en su forma porque debe verse forzosamente con subtítulos ingleses (a no ser que logréis encontrarla por ahí traducida), no es tolerada para niños, es poco probable que le guste a la abuelita, y a no ser que te llames ZombiD, tampoco creo que le guste a tu novia. Pero es una rareza de una grandísima pareja cómica que se vio disuelta a la fuerza en el año 2014 por la muerte de Rik Mayall; una cinta que merece la pena ver para descubrir a dos cómicos que llevaron el humor físico a su más violenta (y nunca mejor dicho) manifestación, y una de las pocas, poquísimas veces, que una aventura de Richie y Eddie, acabó bien. Bien para ellos, claro, nadie dice nada del resto de la humanidad...Cinefiliabilidad 6, lo que significa que es fácil de ver si sabes leer en inglés y si eres consciente de que vas a ver una burrada tras otra. 



Koukyou Zen no se hace responsable de posibles desprendimientos de retina. O enamoramientos a primera vista.


"No exactamente mi tempo" Si no coges ésta frase, tienes que ver más cine.

Nov ECC segunda quincena Feb'17



Segunda tanda de novedades de la editorial ECC a la venta a partir del 14 de febrero del 2017:


Entrevista a Jesús Alonso Iglesias

Por Calistina

Jesús Alonso Iglesias empezó en el Estudio de animación Milímetros S.A. donde igual diseñaba personajes que hacía los stories o los layouts.

Con un trazo muy suelto y ágil, empieza a hacer encargos para agencias de publicidad, ya como freelance.

Arranca su carrera como dibujante de cómics con Silhouette (2010). Premiado en el 34º Salón del Cómic de Barcelona junto al guionista El Torres por su obra El Fantasma de Gaudí (premio a la mejor obra de autor español), se embarca en un proyecto en el que el editor es a la vez guionista (y sí, tiene tinte autobiográfico): Paquet de Mierda; Los Dalton en el país vecino ocupan hoy por hoy su tiempo..
Sepamos algo más de él.
KZ- Los niños solían venir con un pan bajo el brazo… ¿En tu caso fueron pincel y acuarelas?

JA- No, mi madre siempre cuenta la anécdota de que de pequeño bromeó conmigo sobre que a mi me recogieron de la basura y desde entonces yo la ataco con el mismo argumento jajajaja. 
Los lápices y las pinturas vendrían más tarde. Nunca faltaban en casa. 


KZ- Empezaste en un estudio de animación. ¿Qué diferencias hay entre hacer storyboards, layouts o diseños para una película o para un cómic?

JA- Las diferencias son las evidentes entre lenguajes distintos. Igual que las palabras se pueden utilizar para escribir desde una receta para un medicamento hasta algo como El Quijote, con los dibujos pasa igual. Hay partes que tienen en común y luego muchas otras propias de cada medio. Por poner un ejemplo, algo tan molón cómo diseñar personajes, en los dibujos animados tiene que seguir unas pautas muy claras de sencillez, claridad y reconocimiento rápido porque va a ser repetido miles de veces por artistas distintos desde todas las posiciones imaginables. Y en la pantalla debe resultar coherente e identificable en segundos porque es un medio en el que todo pasa muy rápido. 
En la ilustración y el cómic los personajes pueden ir tan detallados y matizados como te apetezca porque el lector puede tomarse el tiempo que quiera para reconocerlos. 
Con la narración ocurre igual. En pantalla tiene que ser más efectiva puesto que la lectura de las imágenes si no resultaría de lo más confusa y errónea por lo tanto. 
Otra de las diferencias son las elipsis. En un cómic uno puede dar por obvias muchas más cosas de nuevo por el ritmo de lectura. En pantalla la acción suele ser más lineal, más detallada. Ese es un recurso que me gusta usar a veces en mis dibujos, un poco imitando a los animadores, con poses muy seguidas, porque ralentiza las escenas y les da ese aspecto cinematográfico que algunos dicen reconocer en mi trabajo, seguramente por cosas como esas.

KZ- Tu webcómic Me llamo L, se quedó en el principio. ¿Lo retomarás, lo tienes aparcado..?

JA- Aquello fue un intento de llevar adelante un cómic completamente mío, con la excusa de dedicarle muy poco tiempo a cada página y que la historia fuera creciendo sobre la marcha. Llegué a desarrollar la línea argumental pero me llevaba más tiempo del que tenía y acabé abandonándola. Aún así tengo más páginas dibujadas que no publiqué y es de esas cosas que siempre están rondando por ahí. Me gustaba mucho y no descarto seguirla en algún momento de locura. 

KZ- Desde Silhouette hasta PDM, parece que los personajes atormentados se te dan de miedo. ¿Es así? ¿Qué tiene que tener un guion para que quieras participar en la parte gráfica?

JA- Será porque soy como uno de esos personajes. No, en realidad es porque siempre es más fácil trabajar con personajes así. Creo que es como en la interpretación, que dicen que es más fácil hacer llorar que reír. Para el dibujo cómico tengo mis problemas, aunque es de esas cosas que aprendí a hacer en animación. Y además, salvo la historia de centauros que dibujé junto a Josep Busquet, nunca me han ofrecido nada de humor. ¿Seré un tipo triste?

Sobre la elección, elegir lo que se dice elegir, aún no me encuentro en esa situación privilegiada jajaja. He tenido la suerte de que me han gustado las historias que me han ido ofreciendo hasta ahora. En todas veía la posibilidad de añadirles algo mío. Y quizás esa sea la razón oculta, la de que me sugieran algo que aportar. No sé, estoy elucubrando yo solo. Lo hago a menudo y siempre a posteriori. 

KZ- El Fantasma de Gaudí sigue cosechando éxitos. ¿Has notado algún cambio? ¿Alguna tarjeta Black en el buzón?

JA- Sinceramente no, a las dos preguntas. El día del premio recibes muchas felicitaciones y halagos, y desde la nube en la que me encontraba tratando de creerme lo que estaba pasando, piensas qué va a suponer esto en tu trabajo. Pero enseguida supe que el lunes siguiente sería como cada lunes, una lucha más con el lápiz y el papel. 

A diferencia del lamentable ejemplo de nuestros políticos, lo más parecido a una tarjeta black que me ha llegado fue la remuneración económica del premio, legalmente facturada, cobrada y declarada. 
Soy dibujante, no sinvergüenza < guiño, guiño> jajajaja

KZ- Hablemos de PDM. En esta obra, Paquet se retrata como una persona insegura, algo dependiente diría yo. ¿Tomaste como referencia al propio Paquet o te inspiraste en alguien más?

JA- Partimos de la base de que yo no conocía a Pierre. Y así empieza la historia. De hecho me enteré ya con diseños y páginas avanzadas que el protagonista era él, ¡que no se parecía en nada al personaje!
Eso da la idea de la locura de proyecto en la que me vi metido. 
El otro problema era que al ser una historia real era muy difícil aportar nada por el miedo a incluir cosas falsas en la biografía de Pierre. Aún así, evidentemente tuve que tomar decisiones para darle lógica narrativa a lo que Pierre me enviaba. 
Luego, como en todos los personajes que dibujas, tratas de meterte en su piel para conseguir darle ese punto a la actuación que lo haga creíble. A veces lo identificas con alguien en concreto y otras veces tiras de imaginación. 

KZ- Hablando de inspiración… Todo autor tiene sus artistas fetiche ¿Cuáles son los tuyos y por qué?

JA- Buff! Siempre me estresa esa pregunta. ¡Son tantos y van cambiando en las distintas épocas...! Evidentemente hay unos cuantos que saltan a la vista en mis cómics. Mignola, Bodart, Alex Toth,.. Estos tres podrían estar en lo alto de mi Olimpo particular. ¡Cada cosa que veo suya es tan identificable y me emociona tanto..! 

Pero luego están toda esa generación de dibujantes americanos como Milton Canniff, Roy Crane, Alex Raymond, .... En un momento me volví completamente loco con José Luis Salinas y su Hernán el corsario. Hergé, Fraquin, Uderzo fueron mis referentes para aprender en mi etapa en la animación. Otra época me estudié a George Pérez con su “Crisis en tierras infinitas”. Y así todos los días voy sumando gente increíble. Vivo en una montaña rusa de influencias. Soy muy voluble. 

KZ- Un justiciero enmascarado en Silhouette, una trama policíaca en El Fantasma de Gaudí y una comedia costumbrista en PDM. ¿En qué género te sientes más cómodo?

JA- El genero costumbrista me gusta mucho porque me gusta dibujar personajes muy reconocibles, muy de la vida diaria. Pero también aprendí a dibujar con los superhéroes así que me divierto mucho con ese estilo también.

En realidad me considero un dibujante de "actores". Me gusta matizar las distintas emociones de los personajes que dibujo. 

De todas formas, yo soy alguien muy perezoso a la hora de dibujar. Si por mi fuera acabaría dibujando siempre lo mismo, gente con poca ropa haciendo cosas incongruentes, por no pensar. Así que utilizo cada uno de los proyectos como una manera de forzarme a dibujar todo aquello que no sé o me da pereza. Desde cuando he estado ilustrando libros de texto a los cómics que ando dibujando ahora, todos me han obligado a dibujar muchas cosas que de otra forma nunca hubiera hecho. La comodidad por lo tanto no es un valor en sí mismo a la hora de escoger un proyecto determinado. Cada cosa que escojo supone un nuevo reto, que luego, evidentemente intento llevar a mi terreno, que es el de los personajes.

KZ- Si te dieran carta blanca como autor completo (guion, dibujo y color) ¿Qué historia te gustaría contar?

JA- ¡La que tengo a medio escribir! Jajaja

La verdad es que tengo varias. Algunas las he descartado de momento porque me exigen manejar demasiada información para el tiempo del que dispongo y mis habilidades como guionista. 

A la que me refiero es una que visualicé desde un primer momento y según iba pensando en ella iba cogiendo coherencia. La intención es dedicarme a ella si puedo una vez que termine lo que tengo entre manos, siempre que me pueda permitir tomarme un tiempo para pensar solo en escribir. 

Por otro lado, yo he crecido y he aprendido leyendo tebeos de aventuras, y aunque me gustan las historias más íntimas, más personales, me he dado cuenta de que no son incompatibles las dos cosas. Es por donde quiero llevar mis historias, el día que me atreva a escribirlas.

Los vaqueros siempre han sido un motivo repetitivo en mis cuadernos de dibujos y cuando me ofrecieron la posibilidad de hacer los álbumes sobre los Dalton, me encantó la idea. 

Lo importante está en conseguir traspasar esa barrera con el lector y hacerle sentir algo más con sólo unos pocos textos y dibujos. Cada día me maravilla más el trabajo de los guionistas, y me inspira más. Si está bien hecho lo que cuente es secundario para mí, porque seguro que acaba emocionando. ¡Siempre que no la cague en mi parte del trabajo! jajajaja

KZ- Actualmente, ¿a qué dedicas tu tiempo? ¿Algún proyecto en ciernes?

JA- Pues en estos momentos ando metido en el segundo y último álbum de los Dalton, para Francia con la intención de que salga para las mismas fechas que el primero, junio-julio del año que viene. 
Y como no sé vivir sólo con una cosa en mi mesa, estoy participando en un proyecto de animación del que no puedo contar nada más aún. Pero lo estoy disfrutando como un enano. 

KZ- No nací con un pincel en la mano, pero se me da bien dibujar. ¿Qué consejos me darías para alcanzar tu nivel?

JA- Lo primero que te diría es que no te molestes en alcanzar mi nivel que no podrás jajajaja. 
No, en serio, mi nivel es mi nivel. Pasado mañana espero que sea un poco mejor y así siempre. Creo que esa es la lección importante. Conformarse con lo que estás haciendo ahora mientras de reojo miras hacia dónde quieres ir. 

Copiar, apuntarse a alguna escuela si es posible, juntarse con gente como tú con la que compartir, criticar y comentar, estudiar, estudiar y estudiar, todo lo relacionado con el arte, el cómic y lo audiovisual...

Y dibujar. Mucho. Todo el rato. Es la única forma de progresar y comprobar ese progreso. Dibujar es un 50% de trabajo manual y controlarlo para poder desarrollar el otro 50% que es expresión, estilo, etc. exige muchas horas de trabajo. 

Tener una mente abierta y explorar estilos también viene muy bien. Quizás todos acaben llevándote al mismo sitio, a tu estilo personal que todo el mundo identificará, pero de alguna forma arrastrará partes de todo ese viaje de exploración que has ido haciendo a lo largo del tiempo y te dará una visión mucho más libre del dibujo. Porque como todo el mundo sabe es importante aprenderse las reglas para luego saltárselas todas. Yo soy muy de esa filosofía y trato de contarla siempre que puedo. Muchas de las cosas que he aprendido sobre el dibujo sólo me han funcionado cuando he sabido olvidarlas y hacerlas de manera distinta, como te dijeron que no debías. 

Eso y una buena silla donde apoyar el culo y la espalda durante horas para retrasar las múltiples contracturas que llegaran más tarde o más temprano. 

*Imagen extraída de la página de la editorial Dibbuks.

PDM

Ser editor de cómics no significa dedicarse a ser una “hermanita de La Caridad”, sino que conlleva un sacrificio y unas decisiones que no siempre son del gusto de los demás, como cualquier otro trabajo.

Pierre Paquet nos abre la puerta de su experiencia personal, bajo los trazos de un acertadísimo Jesús Alonso Iglesias y con un título como Paquet De Mierda podemos deducir cómo se sintió el guionista...

Paquet empieza en el mundo de la edición por casualidad; a su amigo Jean-Marie Mathis le han rechazado un proyecto y él se compromete a sacarlo, puesto que le augura un gran futuro. Abrir una galería dedicada al cómic le servirá para dar a conocer la empresa de sellos y tampones, que es a lo que quiere dedicarse. Su coinquilino David, el recuerdo de su perra Cybelle y la adopción del can Fiston, junto a sus relaciones con las mujeres, le colmarán de sucesos agridulces que determinarán su futuro y llegar a ser editor.

Corría el año 2013 y Pierre Paquet decidió que biografías sobre dibujantes o guionistas había muchas, pero sobre editores ninguna, así que contactó con Jesús Alonso Iglesias y le ofreció el proyecto. Según palabras de J.A. Iglesias, en un principio no sabía que se trataba de la biografía del propio Paquet (con algún que otro matiz fantástico), así que dar con ese “toque especial” que haga a un personaje único y reconocible fue una tarea que tuvo que cambiar varias veces.

Un guion con saltos en el tiempo y diversos flashbacks, hacen amena la historia de Paquet y junto con los trazos precisos y realistas de J. A. Iglesias, crean una atmósfera familiar ya vista en otros títulos del dibujante como El Fantasma de Gaudí (junto a El Torres).

La relación del protagonista con su entorno, llamémosle amigos, conocidos y mujeres, forjarán todas las decisiones que encarrilarán su vida personal. La adopción del perro Fiston, en el que se ve reflejado y que se convertirá en una piedra angular en su vida, le llevará por los derroteros de la edición y las ganas de contar historias.

Ninguna de las aventuras parece tener final feliz, y como espectadores podemos encontrar un puntito sarcástico… El mismo que cuando alguien se cae delante de ti y a veces se hace daño, pero a ti se te escapa la carcajada por ser una imagen cómica. Esa es la idea base: reírse un poco de las desgracias ajenas, especialmente si al final se saca una buena moraleja (como es el caso).

Le veo cierto parecido con Arrugas de Paco Roca o Como Viaja el Agua de Juan Díaz Canales, por sus tintes costumbristas, y su narrativa que se antoja cercana y, a pesar de tratarse de historias tristes, se hacen amenas y sacan sonrisas de hechos que no tienen en sí nada de gracioso. Pensar cómo afectan sucesos que creíamos desechados a nuestras vidas, y cómo cambian el destino determinadas decisiones, son el hilo conductor de esta historia. Intimista, pero universal a la vez, en la que nos veremos retratados de una u otra forma.

La evolución del personaje está reflejada con una ternura y sinceridad que gustará más o menos, pero no dejará a nadie indiferente y plasma a la perfección todo tipo de emociones y cómo la mayoría de veces, la razón traiciona al corazón; si hay dudas es mejor dejarlo ir… O luchar por ello. La decisión está en la mano de cada uno.

La bolsa de basura de la que el protagonista no quiere deshacerse, contiene una parte muy importante de sus vivencias (no os voy a desvelar el qué) y simboliza la aceptación del presente, el dejar atrás lo que ya no volverá, ese camino que hemos escogido… O que nos ha escogido a nosotros. Vosotros decidís.

Ficha Técnica


Dibujante: Jesus Alonso Iglesias

Guionista: Pierre Paquet

Editorial: Dibbuks

ISBN: 9788416507344

Precio: 25 €

Kim Jung Gi invitado al salón del cómic de Barcelona



Se siguen anunciando invitados para el próximo salón del cómic de Barcelona, que se celebrará del 30 al 1 de abril en la Fira de Barcelona.


En este caso se trata de Kim Jung Gi, del cual os vamos a dejar un tráiler para que veáis lo impresionante que es creando sus dibujos, ya que creemos que en este caso vale más una imagen que mil palabras.






Adjuntamos la nota de prensa también:




El artista surcoreano Kim Jung Gi (Goyang-Si, Corea del Sud. 1975) se caracteriza por dibujar directamente en rotulador, sin referencias ni bocetos previos, unas creaciones gráficas extraordinarias.  No sólo es capaz de dibujar complejas escenas cotidianas o extrañas situaciones fantásticas, sino que dentro de esa gran mezcla de objetos y personajes, cada uno elemento es retratado con el más mínimo detalle. Su impecable técnica le permite jugar con imposibles perspectivas sin que ello perjudique al resultado final. Todo lo que dibuja surge de su mente en el mismo momento en que el rotulador hace contacto con el papel y sin necesidad de un boceto previo. Sus creaciones en vivo dibujando sobre una gran superficie de papel resultan espectaculares. Su participación en el 35 Salón Internacional del Cómic de Barcelona será todo un acontecimiento.
 
KimJung Gi tenía 19 años cuando ingresó en la Escuela de Bellas Artes donde se especializó en Arte y Diseño. Durante tres años estudió en Universidad Dong-Eui de Busan, famosa por sus cursos técnicos. Como todos los hombres en Corea del Sur también sirvió en el ejército durante más de 2 años, en la sección de fuerzas especiales, lo que le permitió memorizar un número asombroso de vehículos y armas. Funny Funny, la primera publicación de KJG, fue publicada en el manwha Young Jump. Luego vinieron varios cuentos y algunas exposiciones antes de que KJG comenzara a enseñar manwha en universidades y escuelas privadas.
 
Entre 2008 y 2010, dibujó los 6 volúmenes de TLT, Tiger the Long Tail adaptando una historia de Seung-Jin PARK. Esta historia apareció por primera vez como un webtoon (manwha en línea), posteriormente se publicó en forma impresa por la editorial CNC Revolution.
 
Entre 2007 y 2016, publicó 5 sketchbooks que reunieron cerca de 3.500 páginas de su arte. También ha publicado dos cómics: SpyGames, con guión del escritor francés Jean-David Morvan en 2014 (Ediciones Glénat) y McCurry, NYC, 9/11 en 2016 (Dupuis en francés y Caurette en inglés), una historia del mundialmente famoso fotógrafo Steve McCurry (responsable de la foto de la chica afgana de National Geographic) también escrita por Jean-David Morvan. También ha trabajado para Marvel y DC Comics realizando portadas para Civil War II o Flash, además de varias compañías de videojuegos.
 
Kim Jung Gi ha expuesto su obra en galerías y museos de diversos países. También entró en El libro Guinness de los récords en la categoría de ilustración por ‘el dibujo más largo realizado por una persona con Fisheye Art’. Actualmente, cuando no está trabajando para alguna empresa coreana en publicidad o con la gestión de AniChanga, su escuela de dibujo en Seúl, está viajando por el mundo para conocer a sus fans y obtener inspiración. Kim Jung Gi viene al Salón del Cómic gracias a la colaboración de la Escola de Còmic Joso. Podéis seguir a Kim Jung Gi en su perfil de Twitter @KimJungGiUS. Su página oficial es www.kimjunggi.net.

¿Futura versión americana de Ataque a los titanes?



Tal y como podemos ver en las páginas americanas ANN y Deadline, el estudio Warner, y el productor David Heyman (Animales fantásticos y dónde encontrarlos) podrían estar estudiando hacer una versión americana del manga de Hajime Isayama, Ataque a los titanes (Shingeki no Kyojin). 

Por lo que podemos saber, se trataría de un remake de las dos versiones live-action japonesas que adaptan a su vez la serie manga original. La fecha que daría el estudio a esta película sería después de la película a imagen real de Akira.

Ajin

Reseñamos en este número uno de los mangas seinen de acción más recientes de la editorial Norma. Ajin de Tsuini Miura y Gamon Sakurai parte de una original premisa para ir pasando por todos los estadios arquetípicos de cualquier manga de acción, aunque permanece en el mismo nivel de las obras que se están publicando en estos momentos en España procedentes desde Japón, pero aportará al lector un punto más acerca de la moralidad y los escrúpulos en los que se realizan ciertas acciones que suceden en la historia.

Argumento


Kei Nagai es un adolescente normal con una vida también normal. Sin embargo, sufre un accidente mortal que lo deja prácticamente hecho puré sobre la carretera. Pero Kei resucita, ha resultado ser en realidad un ajin o semihumano.

Estos seres, inmortales, no pueden morir y además tienen la capacidad de invocar un espectro parecido a una especie de momia pero sin cuerpo en su interior, que lucha por ellos.

Cuando se descubre la verdadera naturaleza de nuestro protagonista, el gobierno comenzará a perseguirle con el único fin de perseguirle y experimental con él.

Opinión

Seamos claros, Ajin Semihumano no es un manga muy original. En la larga trayectoria en la que llevo leyendo manga y a tenor de otras obras publicadas en el mercado diré que podría pasar por un manga de mamporros más.

No obstante tiene una particularidad que lo hace un tanto más diferente al resto y que ha conseguido levantarme cierto interés. Me refiero al tratamiento que se le otorga al desarrollo de los personajes. A simple vista, la trama parece resumirse en acción tras acción y con un poquito más de acción, pero a medida que la historia avanza podemos ver algo que normalmente no suele apreciarse en otras del mismo género. El protagonista suele aceptar con gran entereza y de forma bastante pronta los cambios que comienzan a sucederse en su vida normal, lo mismo que estar de acuerdo y entrar a formar parte del típico grupo de rebeldes que suele luchar en contra del (malvado) poder establecido.

En Ajin Semihumano podremos ver la evolución del protagonista, Kei, a lo largo de varios tomos: como pasa por la aceptación de saberse un ajin y de cómo le quieren utilizar, primero el gobierno, que los estudia a través de la tortura y luego el grupo de rebeldes que quiere a su vez acabar con ese gobierno que maltrata a los suyos, los ajin. El lector acompaña en todo este proceso a Kei, que pasará por las diferentes fases que le llevarán a la aceptación de él mismo a lo largo de los diferentes tomos del manga.

A nivel gráfico, los dibujos de sensei Sakurai tienen fuerza y dinamismo. El mangaka maneja perfectamente las escenas de acción y lo sabe, por lo cual las explota bien.  Lo más reconocible quizás de su dibujo sea su grueso entintado y los grandes y expresivos ojos que suele dibujar.

En definitiva, Ajin Semihumano es una historia de acción, con algún punto de terror más cercano al gore, que gustará a lectores que busquen mangas similares a Gantz o Assassination Classroom.


Ficha Técnica


Título Original: 亜人

Género: Seinen, acción

Dibujo: Gamon Sakurai

Guión: Tsuina Miura, Gamon Sakurai (a partir del tomo 2)

Editorial original: Kodansha 2012-2013

Editorial Española: Norma 2015

Número de tomos: 9 (en curso)

Tintín y Fanhunter tendrán exposición en el 35º Salón del cómic de Barcelona


Cuando ya va quedando menos para el 35º Salón Del Cómic de Barcelona, se empiezan a desvelar algunos de sus puntos fuertes.
¡Al Oeste, más hacia el Oeste! es el nombre de la exposición dedicada al internacional Tintín y que verá la luz gracias a la 1001 Associació Catalana de Tintinaires y podremos disfrutar de originales de Jules Verne, Robert Louis Stevenson, Emilio Salgari o Jack London en una muestra del recorrido del universo tintinólogo.
Los viajes comportan conocer el mundo y las diversas culturas y pueblos que la habitan. A través de Tintín, Hergé muestra un gran respeto por las culturas visitadas. Así, el joven reportero interactúa, hace amigos y se integra con entusiasmo, hasta el punto de vestirse como los locales y compartir mesa y costumbres con ellos. Tintín siempre intenta amoldarse y pasar desapercibido y nunca se comporta como un típico turista occidental altivo. En cuanto a los países que Tintín visita, Hergé tenía mucho cuidado de la ambientación. Por ello podemos considerar a Las Aventuras de Tintín como una especie de documental que recoge la realidad con bastante fidelidad.

En Las Aventuras de Tintín nada es inventado. Hergé, siempre fiel a su meticulosidad, buscará el paisaje y la situación que mejor correspondan a la historia y el lector podrá jugar a averiguar cuál ha sido la fuente de inspiración utilizada por el dibujante. Con esta muestra el visitante podrá comprobar cómo las ubicaciones que aparecen en los álbumes de Tintín están siempre inspiradas en lugares del mundo real.


Por otro lado tendremos Cels Piñol - Fanhunter: El futuro está en juego, exposición basada en el fenómeno perpetrado por Cels Piñol, que abarca desde cómic hasta juegos de rol.

Creado por Cels Piñol (Barcelona, 1970) hace 27 años, Fanhunter se ha convertido en un éxito de ventas que ha sido publicado por Planeta-DeAgostini y Panini Cómics, entre otras editoriales, durante tres décadas. Comenzó como un pequeño fanzine autoeditado y se convirtió en una de las franquicias más exitosas del país. Se han editado cómics, juegos, novelas, discos, miniaturas y todo tipo de merchandising. En la actualidad, Gigamesh Ediciones publica los cómics y novelas gráficas, mientras que Panini Books edita las novelas. Devir Iberia ha adquirido el resto de derechos de explotación internacional y publicará varios juegos de mesa inspirados en la marca y en los emblemáticos juegos de rol y tablero de Fanhunter que reinaron en las mesas de juego durante los años ’90 y que cuentan con una legión de seguidores en la actualidad, muchos de ellos fans como los protagonistas de la obra… y ahora también sus hijos. En el Salón del Cómic se presentarán las últimas novedades editoriales y de juegos de Fanhunter.
La exposición Cels Piñol - Fanhunter: El futuro está en juego repasa casi tres décadas de esta obra de “humor épico-decadente” que nos advierte sobre los peligros de un futuro donde la intolerancia y la falta de libertad están a punto de ganar la batalla a la cultura y al sentido común. La exposición se divide en cuatro partes: Presentación, que contiene muestras originales de las obras que Cels autoeditaba en formato fanzine; Nudo, que ofrece un repaso a sus creaciones en grandes editoriales como Planeta, Panini o Gigamesh; y Desenlace, donde se incluyen originales relacionados con el resurgimiento de los juegos basados en sus conceptos y la consolidación de Fanhunter como una obra global, incluidos los nuevos diseños de personajes y escenarios que se mostrarán al público por primera vez en esta edición del Salón del Cómic. En una cuarta sección, Continuará, se mostrarán ejemplares físicos de todas su obras, la mayoría de ellas agotadas desde hace años, y su evolución cronológica hasta la llegada de los nuevos lanzamientos que, como bien reza el título de la exposición, abren la obra a un futuro que, ahora más que nunca, está en juego.


Os recordamos que el evento tendrá lugar del 30 de marzo al 2 de abril en Fira de Barcelona Montjuïc.

Trailer de Ataque a los Titanes, segunda temporada




Segunda Temporada de Ataque a los Titanes, en Abril 2017. Trailer con subtítulos en español:

Gunbuster (1988)

Gunbuster: GAINAX llegando al alma.

 Aunque este título empezó como una obra cómica, el staff se dio cuenta que tenía un carbón ardiente, una joya que podía girar y dar algo fuera del cliché saliendo del clásico héroe, en este caso heroína, que empieza desde abajo. Alguien muy malo para el trabajo que luego resulta indispensable es algo habitual.

Aclaremos algo, desde el vamos Noriko Takaya no posee lo que consideramos espíritu combativo, luego de visualizar cómo se le vuelve todo en contra e incluso sufre la envidia de pilotos mejores en técnica, su mente irradia energía de superación. Ya no le importará ser la hija de un importante comandante que murió en acción, sino que junto a la segunda candidata Amano Kazumi, entrenará para proteger el futuro.

 
La personalidad de destacados pilotos pone en aprietos a Noriko, sin la confianza necesaria para maniobrar decentemente. Sin embargo existe un potencial latente visto por algunos superiores, para sacarse la pesada mochila será instruido por Ota Koichiro, un entrenador que será el puntapié para lograr algo mágico, la fusión entre dos mechas y el posterior manejo del Gunbuster, el robot definitivo, la fuerza donde la humanidad puso sus esperanzas. Y de esto no hay dudas, la primera misión (donde fallece el progenitor de Noriko) los aliens vienen para aniquilar a toda especie viviente, para contrarrestarlos se crearon naves equipadas para los viajes lejanos y mechas de combate.

Con los años se van acercando cada vez más a las galaxias cercanas, si a esto sumamos que se alimentan y crecen con las estrellas, los invasores ya no son tan débiles,  contados por millones y con ansias de destrucción. Con las primeras batallas, el talento va flotando y el dúo se complementa, forjando una amistad con confianza plena y derramando optimismo.

¿Dije optimismo? Eso no quiere decir que las tengan fáciles, la Flota de Elite y la totalidad de los pilotos aceptan que estaban equivocados con la destreza oculta de Noriko, pero los extraterrestres se preparan para un ataque masivo en varios tramos. Y si bien pasan horas en el espacio, en la Tierra el tiempo corre de manera muy veloz. La relatividad del tiempo en su máximo apogeo, una serie de 6 Ovas que si bien arranca como comedia (y con tintes paródicos) pronto se entrega a una trama mucho más profunda.

Mientras la flota de ataque se aleja de la Tierra, en cada misión dudan si volverán a ver a sus amistades y seres queridos, unas pocas horas en el espacio son meses o más, sintiéndose desenfocadas cuando muchos conocidos tienen décadas encima o están muertos.
Atención, SPOILER: Una de las amigas de la protagonista se queda en la Tierra. Al regresar exitosamente de la misión la encuentra más grande y con un hijo, quedando Noriko sin palabras. Cuando la ve madura y cómo el tiempo afecta a la realidad, se da cuenta realmente de la importancia del tiempo. Esto se dará en varias batallas, donde el drama no es trivial: si no se apuran puede que no exista otro momento para el retorno, los amigos envejecen y la vida conocida se disipa. FIN DEL SPOILER

La tecnología desarrollada es la estrella de este título, abarcativa para los saltos espaciales, las velocidades luz y los combates, una buena mezcla de conexión entre maquinarias y factor humano no llegando a una "unión" espiritual como Evangelion (futura obra del Studio) pero sí asemejándose. Con todo tiene sus fallas perdonables porque con casi 30 años a sus espaldas, todos somos críticos XD.


Muchas referencias a otros anime en pósters de las cabinas (Totoro, Space battleship Yamato) y ciertos toques humorísticos son pequeñas chispas que el Studio incluyó como homenajes a otros títulos donde trabajaron. Y acá viene el quid del asunto: Gunbuster quedó como algo muy logrado con el final del OVA 5 ¿había necesidad de una sexta entrega?  Sep, es totalmente recomendable e incluso indispensable, siendo el más "seinen" de la camada de OVAs.

La totalidad del episodio final está realizado en blanco y negro, una incógnita si originalmente se hizo en color y pasó a monocromático, más que nada por la calidad y variedad de grises en la paleta, lo cual nos puede irritar al principio pero se nos pasa a la brevedad. El guión se pone tenso y nuevamente hay cambios que constituyen una amenaza real para todo el planeta. Nuestras protagonistas hacen que Gunbuster se supere, dejando un final increíble, podemos estar con un sabor fantástico y agridulce, lo sublime que estaría si se hallara en color, aunque personalmente supongo que está dibujado así para dar más "efecto", Gainax ya hacía lo que deseaba desde épocas tempranas XD. No acaba mal ni nada (más no puedo decir) pero si están con lágrimas en los ojos, es entendible.

En resumen: Gunbuster tiene mucho de los mechas típicos de los 80, mejorando en cada posterior entrega; traten de verla de corrido aunque aviso: lo mejor arranca desde la tercera entrega, siendo los primeros la introducción de las mejores pilotos y el afán por conseguir una plaza en la guerra lejana. Una obra de mechas con contenido guionístico, Gainax siendo innovador y con algunas pinceladas (sin filosofía) de la futura obra Evangelion, nos vemos en otra entrega.
Nombre original: Top wo Nerae! (Gunbuster)
Duración: 6 OVAs, 25-30 min c/u aprox
Director: Hideaki Anno
Categoría: Shonen
Género: Ciencia ficción, mechas
Año: 1988

Your Name se estrena el 7 de abril en cines

Mediante nota de prensa, Selecta Vision, poseedora de los derechos de emisión de Your Name, anuncia la fecha e la que podremos disfrutar de ésta en la gran pantalla.

"Your Name." será estrenada en toda España el día 7 de Abril de 2017.
La película de Makoto Shinkai va camino de convertirse en el film de animación japonesa más taquillero de la historia, con casi 300 millones de dólares en la taquilla mundial. Por lo que esperamos que en España sea un éxito sin precedentes. Desde luego que la obra del director Shinkai lo merece.


Sinopsis:
Ha pasado un mes desde que un cometa que visita la Tierra cada mil años se avistara desde Japón. Mitsuha es una estudiante que se lamenta de su vida en el campo junto a su hermana pequeña, su abuela y su padre, un político al que nunca ve. Detesta las pintorescas costumbres de su familia y sueña con el maravilloso estilo de vida de los habitantes de Tokyo.

Por su parte, Taki es un estudiante que vive en Tokyo, tiene un trabajo a tiempo parcial en un restaurante italiano y necesita alejarse de su familia. Una noche, Mitsuha sueña que es un chico de Tokyo y Taki sueña que es una chica que vive en el campo.

¿Cuál es el secreto que se oculta tras los sueños de dos personas que a pesar de que no se conocen de nada parecen buscarse desesperadamente?

Ana Penya se lleva el Fnac-Salamandra Graphic


El premio que nació en 2008 para promover la creación literaria en el ámbito del cómic ha recaído en Ana Penya, autora de Estamos todas bien tras valorar "tanto la capacidad gráfica como la pertinencia de abordar el tema de la vejez femenina y la importancia de la mujer en la intrahistoria de España", según palabras del jurado, compuesto por Sigrid Kraus (Directora editorial de Ediciones Salamandra), Víctor Moreno (Responsable de Acción Cultural de Fnac España), Pili Muñoz (Directora de la Maison des Auteurs de Angulema), Jorge Carrión (escritor y crítico literario). y Álvaro Pons (crítico).
Este Xº certámen premia una obra en un momento de especial sensibilidad hacia las mujeres y en especial, la vejez y su forma de afrontarla.

Nacida en Valencia en 1987, su dibujo cercano, con ausencia de reglas y que hemos podido disfrutar en el premiado fanzine Arròs Negre,Los Días Rojos de la Memoria o Tal Vez Mañana, nos muestra esa realidad incómoda que normalmente nos dedicamos a disfrazar.
Enhorabuena.
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Nov Dibbuks febrero'17


Confirmada la presencia de El Torres en el próximo Salón Internacional del Cómic y Manga de Donostia como `primera parada en este año, nos muestran las novedades para el próximo mes con 3 títulos:

Febre Ro 2017 by KoukyouZen on Scribd

Nov ECC febrero'17


Ya ha arrancado el año y ECC Ediciones nos trae las novedades que estarán a la venta a partir del 31 de enero.
El último tomo de Los niños del mar (D. Igarashi) o el regreso de Nightwing son algunas de nuestras apuestas:

201702 01comunicadonovedades Prensa by KoukyouZen on Scribd

Entrevista a Kim y A. Altarriba


Por Elentrecott

En el pasado Expocomic2016 (también llamado Heroes Comic Con) tuvimos el privilegio de entrevistar a los autores de El Arte de Volar y El Ala Rota.

El guionista Antonio Altarriba y el dibujante Kim fueron premiados en esta edición. Su colaboración empezó en 2006, con la citada El Arte de Volar, cerrando el díptico con El Ala Rota. Ya obtuvieron el Premio Nacional de Cómic en 2010 y siguen reivindicando el papel de la mujer en la época franquista.

Sepamos algo más de ellos:

Koukyou Zen- En vuestra primera colaboración juntos “el arte volar “ abordáis una historia de temática completamente adulta y autobiográfica al tratarse de la vida del padre de Antonio. En el caso que nos ocupa es la de tu madre, ¿Qué supuso para ti poder darle vida a este proyecto ?

Antonio Altarriba/Kim- El proyecto en conjunto se va haciendo sobre la marcha, son los acontecimientos los que me van llevando a la escritura. El Arte de volar tiene como punto de partida y detonante el suicidio de mi padre. Es un libro que está hecho desde la reivindicación de su figura y el intento de recuperar una generación de españoles que tuvieron una vida difícil. Es un libro de duelo, casi de terapia.

Este segundo, El Ala Rota, es consecuencia del primero. Yo nunca pensé que iba a escribir la historia de mi padre y mucho menos la de mi madre y a la vista está de como había quedado el personaje de mi madre, que quedaba muy desdibujado. Quería contar que esta mujer tenía también una gran historia detrás. He descubierto muchas más cosas que desconocía acerca de ella y me ha servido para dar forma y perspectiva sobre una generación de mujeres que están muy olvidadas, que vivieron unas circunstancias muy duras, sometidas por los hombres, sin derecho a nada. Creo que al final las dos historias arrojan una perspectiva muy completa de lo que ha sido la historia de España en esos años.


KZ- En El Ala Rota vemos el retrato de una generación de mujeres encarnadas en Petra, verdaderas heroínas pese a todas las adversidades que le toca vivir. ¿Crees que el papel de la mujer sigue demasiado estigmatizado en el cómic hoy en día?

A.A- La de mi madre (ella nace en 1918) es una generación un poco olvidada. Está justo antes de las que empiezan reivindicar el feminismo en los 60, quizás porque las hayamos visto como mujeres convencionales, de ideas más conservadoras no hemos sabido ver bien en que circunstancias tan difíciles tuvieron que vivir y porque se aferraban con tanta fuerza a ciertas creencias. Estas mujeres estaban tan desamparadas, no tenían ni social ni políticamente nada a lo que acogerse. La religión les ofrecía un consuelo, una figura maternal, les daba de alguna forma una vía para ser. Son mujeres a las que les toca vivir los tiempos más complicados de la historia moderna con una guerra y la postguerra, eran las que en definitiva hacían funcionar la vida.

KZ- Como relatas en el epílogo, Antonio, has tenido que rellenar muchos huecos en la historia de tu madre porque ella era reservada para sus cosas.

A.A-Esta es una característica de las mujeres de esta generación. Habían asumido su papel y no  ni ningún relato que contar. Cuando mi madre contaba algo lo hacía sin darle ninguna importancia, dejándolo caer como quien no quiere la cosa. A medida que ella iba esbozando estas migajas de historia me iba dando cuenta de que no eran cosas insignificantes. Mi madre me puso sobre la pista del general Juan Bautista Sánchez González, una persona de la que hablaba muy bien mi madre pero que solía decir “que no quería mucho a Franco”. Era algo raro así como las circunstancias que rodearon a su muerte que me llevó, sí, bastante investigación.

Hablé con un primo mío para poder completar ciertos huecos. Los años que mi madre pasó sola al cuidado de su padre(mi abuelo) junto con la anécdota de como ella le libra de los falangistas que entran en la casa dispuestos a matarle. He tenido que recrear como era esa intimidad entre un hombre enfermo ya mayor, con ese temperamento tan brutal en algunos casos y una chica muy joven,casi una niña, en lo cito en el prólogo como “reconstrucciones verosímiles”.

KZ- El Ala Rota tiene un ritmo muy cinematográfico, ¿Qué os parecería que se adaptara bien como una serie de TV o para un largometraje ?

A.A/K- Bueno, hemos tenido ya alguna oferta y hay una que está en pie. A expensas de que se confirme se está trabajando en el guión, sería una miniserie que combine los dos libros, pero veremos a ver que va pasando, por mi parte yo encantando.

KZ- Antonio tú también eres novelista. ¿Cuál dirías que es la principal diferencia para ti a la hora de abordar la preparación de una novela de un guion para una novela gráfica ?

A.A -Sobretodo desde el punto de vista del control, cuando llevas a cabo una novela no tiene mucha importancia desde que punto de vista lo estás contando, planteas que un personaje está hablando con otro, vemos la conversación y colocas al lector en un no-lugar. El cómic te obliga a adoptar una perspectiva,un punto de vista espacial muy concreto, lo que te permite jugar con muchos resorte y en ese juego de planificación puedes hacer pasar los sentimientos de los personajes. Hay otras muchas, pero esa es para mi la principal diferencia.

KZ -Kim, eres conocido fundamentalmente por tu obra de humor en la revista El Jueves  donde tus historietas de “Martínez el Facha “ se han mantenido desde 1977. ¿Cómo afrontas el cambio hacia un enfoque tan distinto de lo que habían sido tus cómics hasta fechas recientes?

K-Para mi fue una sorpresa que me llamara él (Antonio ). Casi no nos conocíamos. Él me explicó que estaba escribiendo la historia de su padre y a mi me sorprendió. Me dijo que quería que yo la dibujara. Yo le explique que hacía muchos años que no dibujaba nada de corte dramático o serio. Me alegró que se acordara de mi y me viera con otros ojos. Cuando vi el guion me asusté un poco. Fue  entonces me di cuenta de donde me había metido.

KZ- Antonio. Tanto Kim como tu procedéis de entornos donde la historieta fue perseguida duramente por la censura. ¿Crees que de algún modo eso os ha llevado a hablar de todos aquellos temas que se consideran tabú? ¿Crees que sigue habiendo temas de los que la gente no quiere ni oír hablar?

K- Bueno, nuestra generación quizás sin darnos cuenta nos auto censuramos, nosotros en El Jueves tuvimos varios juicios, principalmente por temas relacionados con la iglesia. En uno de ellos al final el juez nos dijo a los dibujantes que nos quedáramos,y que nos acercáramos al estrado, allí nos pidió que le hiciéramos unos dibujos (risas )

KZ- El Víbora echa el cierra en el año 2002, el Jueves aún sigue en los kioskos pero, ¿echáis en falta mas publicaciones colectivas al estilo del el Cairo, Totem o Zona 84 ?

A.A- Hubo una época en que el álbum lo era todo. Tú publicabas en revistas siempre historias cortas, de no más de ocho páginas. Lo que pasaba es que el lector se veía obligado a que si te gustaba algún autor en concreto a cargar con todo el paquete. El hecho de que hayamos ido hacia un formato más enfocado en el libro habla también de una cierta evolución, de una progresión del mercado.Yo creo que aquel tiempo no volverá.

K- Yo creo que actualmente no hay ningún arte que este evolucionando tanto como lo hace el cómic.

KZ- ¿Tenéis planes para un futuro inmediato?

K- He empezado una novela gráfica sobre una experiencia que tuve cuando fui a Alemania a trabajar en el año 1960. Es una historia que tenia aparcada y no me había acordado mucho de ella. De hecho ningún amigo mío sabía que yo había estado en Alemania. Hablando con una persona me sugirió que lo hiciera, me dijo que no había nada parecido en el mercado, solo la película “Vente a Alemania Pepe” y poco más, ni siquiera una novela. Es una cosa en la que trabajo a ratos, un poco como terapia porque ahora tengo mucho tiempo.

KZ. : Muchas gracias a los dos por todo maestros, ha sido un verdadero placer.

Blood C tendrá pasaje a live action

Luego de la última serie (12 episodios) de la franquicia "Blood", donde las CLAMP pusieron el diseño de personajes, y con su película posterior, se sabe que las aventuras de Saya no acabaron: habrá una adaptación a live action.
 Con el título "Asura Girl Blood-C" la producción va tirando pequeñas pistas sobre la película, que se espera para otoño de este año en tierras niponas.
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Nov. Hirukoa enero'17


El 5 de junio del pasado 2016, nació una nueva editorial de la mano de Javier Barroso que en principio funciona con micromecenazgo (crowfunding).
El Rol juega un papel importante y junto a títulos como Estrellas Extrañas o Wild World Wrestling. Tras Mortífera (Stephan Frost/Sara Partington),Aleister Crowley vagando por el páramo (de Martin Hayes/Roy Huteson Stewart) y E.X.O. La leyenda de Wale Williams (de Roye Okupe/Sunkanmi Akinboye), vía nota de prensa anuncia dos títulos más:


El último niño humano: Atrapado en el planeta Patchwork de David Gallaher y Steve Ellis.
Tras huir de casa, Erik se despierta en otro mundo, perdido y sin recuerdos. Un mundo construido con pedazos de distintos planetas y un cielo ocupado por una luna rota.
Erik es el último niño humano, pero no la única criatura viva. El mundo está lleno de extraños y peligrosos seres luchando por su supervivencia.
Necesitará la ayuda de Morgan, una guerrera anfibia, y Thea, una princesa entomórfica, para escapar de las garras del terrible Baalikar y el diabólico Doctor Erase.
¿Conseguirá Erik sobrevivir al despiadado nuevo mundo y encontrar un camino de vuelta a casa? El último niño humano es una historia llena de acción y aventuras.

David Gallaher ha sido nominado a los premios Harvey en varias ocasiones y ganó el correspondiente a Mejor cómic online por High Moon (DC Comics). Ha trabajado como guionista para Marvel.
Steve Ellis es co-autor de High Moon, y ha realizado ilustraciones para Wizards of the Coast, AMC y Marvel, además de colaborar en historias para Scholastic.
Nominada a 4 premios Harvey.

Bearmageddon Osos vs Humanos.
De Ethan Nicolle .
Cuando Joel Morely, un empleado de Wow Mart, y sus incompetentes amigos deciden abandonar la sociedad para vivir en el bosque, descubren que un éxodo masivo de osos se dirige a la ciudad con la intención de declarar la guerra a la humanidad.
Con la ayuda de un montañero medio salvaje llamado Dickinson Killdeer nuestros protagonistas se disponen a volver a sus casas en busca de sus familias. Sin embargo, la llegada de los osos mutantes a la ciudad parece presagiar el fin de la humanidad tal y como la conocemos.

Escrito e ilustrado por Ethan Nicolle nominado a los premios Eisner en 2009 por Chumble Spuzz, en 2011 obtuvo el premio Eagle al mejor webcomic y el premio Shel Dorf al mejor webcomic del año por Axe Cop (dark horse) y en 2012, Axe Cop entró en el TOP10 de la lista YALSA en la categoría de novela gráfica juvenil.

En breve se anunciarán las fechas de salida.

I am a Hero termina en Japón

El conocido manga de zombies de Kengo Hanazawa. I am a hero,  terminará el próximo febrero en la revista Big Comics Spirit de la editorial Shogagukan. El manga contará finalmente con 23 tomos recopilatorios.

Sin embargo, la historia del universo creado por sensei Hanazawa continuará en una serie de spin-off que completará el manga desde los puntos de vista de otras ciudades: I am a hero en Osaka (Yûki Honda), I am a hero en Nagasaki (Kensuke Nishida), I am a hero en Ibaraki (Kasuya Fujisawa) y I am a Hero Kôshiki Comic Anthology: 8 Tales of the ZQN, una antología de relatos de diferentes autores.

El manga está siendo publicado en España por la editorial Norma.

Locuras Tio Scabbs: Sepia Tears (Novela visual)

Nombre: Sepia Tears
Tipo: Novela Visual
Género: Romance
Estudio:TeamNEET
Plataforma: PC/Mac/Android OS

Esta novela visual indie realizada en el 2013 trata sobre Mark, quien no posee demasiados memorias ya que hace 3 años tuvo un evento que no logra recordar. Con la aparición de una joven llamada Myra (quien se manifiesta misteriosamente cada cierto intervalo de tiempo) Mark intentará por todos los medios recapitular cuales fueron los incidentes ocurridos en el pasado.

 ¿Es una alucinación, un sentimiento de culpabilidad del protagonista, alguien que realmente lo conoce...o un fantasma?
La trama tiene opciones para ir recorriendo varios caminos, sin embargo tiene un final lineal, un solo epílogo si no contamos los desenlaces "malos" donde la pantalla acaba con tonalidades oscuras. Myra es la que se lleva las palmas cuando se expone ante el protagonista, siendo éste el más plano de los pocos que tienen presencia.

Rin, Lukas y Lillian completan el elenco de personajes que interactúan en la historia, si bien parecen llevarse bien (y de hecho, así es) hay que tener cuidado cuando hay que elegir la respuesta entre dos disyuntivas, una mala alternativa puede dar un giro donde hasta el asesinato es posible, pero a no desesperar que el romance es lo que gira en la totalidad del relato, las charlas son de esquemas de familiaridad en situaciones cotidianas.

 A pesar del halo de misterio y el suspenso generado, el guión es de tinte romántico, no es de corte seinen (esto lo he leído en algunos blogs antes de jugarlo), se disfruta jugándolo de corrido. La rejugabilidad no es necesaria, bastará con ir guardando en "saves" ante las opciones, sin embargo es una ruta lineal, no hay que esperar variedad de finales ya que dependiendo nuestros elecciones igual nos mostrarán un desenlace único, algo que siempre es una falla en una novela visual, incluso da una sensación de que "pudo haber sido" o "y si hubieran puesto esto", pero no olvidemos que igual está muy aceptable el epílogo.

Al finalizar por primera vez veremos que se abre el trayecto "El Diario de Myra", una reinterpretación de lo jugado visto desde los ojos de la coprotagonista. Para obtener el 100% de imágenes y apartado musical, debemos guiarnos a lo mencionado con anterioridad: escoger otro camino en los "saves" almacenados y así visualizaremos todo el contenido de esta novela visual, las melodías juegan a tono con la historia, una curiosidad es que los fondos (fotográficos) están muchas veces tomados de los alrededores de Toronto, lugar de residencia de los programadores.

Esta entrega indie está hecha con el motor gráfico Ren´py, los gráficos están insertados como renders y bien colocados, el dibujo es personal, abundando las imágenes chibis y escenas cómicas. Este sistema permite mucha libertad y hay grandes títulos que pronto tambiéb caerán para ser analizados, tales como "Katawa shoujo", la rusa "Everlasting Summer" o "Café 0: The Drowned Mermaid", productos hechos con pasión y sin límites.

En resumen: Sepia Tears es una NV lista para ser terminada en un solo dia, con pocas horas disfrutaremos toda la entrega, la música es agradable y es ideal para relajarnos un rato.

Trama que podría mejorar y un solo final puede ser los aspectos negativos, pero en general lo positivo remata las pequeñas falencias. Nos vemos en otro número.


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