Lo mejor de esta semana

Nov Norma Julio'17


Disponibles a partir del 23 de junio, con el estreno del primer volumen de Fire Force (Atsushi Ohkubo):

Novedades Norma Julio'17 by KoukyouZen on Scribd

Enrico Marini dibujará a Batman


La editorial Dargaud anuncia su colaboración con Dc Entertainment a través de uno de suu autores fetiche: Enrico Marini (Las águilas de Roma)
Una historia original sobre Batman divida en 2 volúmenes. El primero, está previsto que salga el 3 de noviembre de 2017 y el segundo durante la primavera de 2018.

Aún no ha trascendido el título de la novela gráfica, así que nos mantendremos a la espera.

The Mark of Watzel, Yajirobe y Shumatsu no Laughter por Milky Way


Tal como prometieron ayer, hoy han anunciado tres nuevas licencias:

The Mark of Watzel
De Tomo Taketomi (Evil Heart). Tomo único que empezó su serialización en la Aoharu de Shueisha en 2014.

Jason había sido un actor muy popular de la serie de televisión "The Mark of Watzel", pero ahora no es más que un estafador de medio pelo. Entonces le llega un encargo: “Quiero que engañe a mi hija, Erin, que está enferma y solo le quedan unos meses de vida”. Erin es una gran fan de "The Mark of Watzel".
¿Logrará Jason volver a ser el héroe al que Erin tanto admira?



Yajirobe
De Aiji Yamakawa (Oogiri). Dos tomos cuya serialización empezó en la Bessatsu Margaret de Shueisha en el año 2010.

Haru ha estado viviendo con Seiji, su padrastro, desde que perdió a su madre cuando aún era una niña. Sin embargo, cuando la familia sufre una nueva pérdida y con el aviso de que el edificio donde viven pronto será demolido, Haru se verá forzada a cambiar su perspectiva de las circunstancias.


Shuumatsu no Laughter
De Yellow Tanabe (Kekkaishi). Tomo único que se serializó en la Shuukan Shounen Sunday de Shogakukan en 2012.

Cuando la corrupción consuma al mundo, el Akuma de 101 bocas aparecerá". La humanidad dejó de lado su propia existencia y la oscuridad descendió. La lucha fue dura, y muchas vidas se perdieron, pero al final el mal fue vencido. O eso parecía... Sin embargo, hombres inmortales portadores de la marca del mal siguen vagando por el mundo y azotando ciudades enteras. Pero un día aparece otro hombre también portador de la marca y que promete ser el salvador que todos esperan. Pero, ¿quién es este individuo? Y sobre todo, ¿cuáles son sus verdaderas intenciones?

Las tres nuevas licencias estarán disponibles este verano. Pronto fechas y detalles de edición.

Otaku Bunka #8 el 23 de junio

Con portada dedicada a Slayers el núm. 8 estará disponible a partir de 23 de junio y destacamos las tiras cómicas a cargo de nuestras Xian Nu.
A continuación la nota de prensa:

Con el inicio del verano, Panini Revistas lanza el octavo número de Otaku Bunka, la revista para los fans del manga, el anime y la cultura japonesa. A partir del viernes 23 de junio, los lectores podrán empezar a encontrarla en quioscos, papelerías y tiendas especializadas.

Las 108 páginas de Otaku Bunka ofrecen al lector contenidos separados en cuatro bloques temáticos: anime, manga, otras aficiones y cultura japonesa. Algunas de las firmas de este número son Álvaro López Martín, Luis Alis, Josep M. Berengueras, Cristina Ropero y Rosi Ortega, así como expertos de la talla de CineAsia, Mechanical Japan, El peso del aire, el historiador Jonathan López-Vera y el investigador José Andrés Santiago.

El tema de portada de Otaku Bunka #8 lo ocupa el clásico de espada y brujería Slayers, cuya primera temporada acaba de ser editada con enorme éxito en formato doméstico. La excusa perfecta para repasar un título cuyos mangas también están publicados en nuestro mercado.

En el bloque dedicado al anime, reseñamos En este rincón del mundo, película que se estrena en cines el 30 de junio, y la acompañamos de una entrevista con su diseñador de personajes y director de animación. Las series de BRB producidas en Japón a comienzos de los 80 (Ruy, D'Artacán, Willy Fog) protagonizan la sección de anime retro. Volviendo a la actualidad, tratamos la segunda temporada de Ataque a los titanes y Atom: The Beginning, además de ofrecer una guía de las series para este verano. Pero lo más destacado es el amplio reportaje sobre el pasado AnimeJapan, la gran feria del anime en Japón y toda una experiencia para el otaku.

En las páginas centradas en manga abundan las reseñas de los títulos más candentes en nuestro mercado: Black Clover, Handsome Girl, Biomega, To Your Eternity, Trampas agridulces, Manhole, El barrio de la luz, La mujer de al lado... Un reportaje sobre la franquicia Ghost in the Shell y un nuevo icono otaku completan este bloque.

¿Más contenidos de este número? Un repaso al cine de yakuzas, una entrevista al compositor musical Akira Yamaoka (Silent Hill), un artículo sobre los videojuegos de virtual idols, las últimas novedades en juegos y unos buenos consejos a la hora de limpiar tus figuras.

En el bloque cultural traemos curiosos refranes japoneses sobre matsuri, reivindicamos el papel esencial de la mujer en la literatura nipona y repasamos la historia de la familia imperial. En el apartado histórico, presentamos al hombre que inspiró al protagonista de Afro Samurai, mientras que en turismo paseamos por la hermosa Amanohashidate y en gastronomía te enseñamos a preparar katsukare. También ofrecemos un taller de kamizumo (sumo de papel), un divertido juego infantil para todos los públicos. Cierra este bloque la sección de autores españoles, en la que esta vez tenemos a Irene Roga (La canción de Ariadna, Kýriade).

Finalmente, el encarte de 8 páginas dedicado a los lectores cuenta con fanarts, rankings de favoritos e información útil sobre eventos y asociaciones culturales. También incluye una entrevista al popular youtuber otaku iLuTV. ¡Y estrenamos sección de tiras cómicas con Mangaka Quest, dibujada por Xian Nu Studio (Bakemono, ChanPrin)!

Nov Dibbuks julio'17


El verano llega pisando fuerte. Un calor de infarto en gran parte de la península y qué mejor plan que playa/piscina y un buen cómic en las manos.
Dibbuks nos presenta sus novedades para julio'17:

Julio 2017 by KoukyouZen on Scribd

Gorda

Reseñamos para este número uno de los primeros manga de la conocida autora de josei, Moyoco Anno, ya publicada en nuestro país gracias a la publicación de Tokyo Style por parte de la extinta editorial EDT. En esta ocasión disfrutaremos de un manga publicado en un solo tomo por la editorial Ponent Mon llamada “Gorda”, con una historia centrada en los trastornos alimentarios.

Argumento


    Noko siempre ha sido gorda, pero nunca le había importado demasiado. Tiene un trabajo, un novio que la quiere y se siente bastante cómoda con su vida. Sin embargo, una compañera de trabajo de nombre Mayumi comenzará a hacerle mobbing  hasta tal extremo que llegará a acostarse con su novio y acusarla de malversación. Noko no sabe digerir esa gran cantidad de frustración y lo achacará a su gordura, por lo que piensa que si adelgaza, todos sus problemas desaparecerán.
Opinión

   
Gorda es una de las obras tempranas de la aclamada autora Moyoko Anno, publicada originalmente en la Shuukan Josei de Shufu to Seikatsusha en 1997, aunque fue reeditada con posterioridad en el 2002, en esta ocasión por Shodensha. A España ha llegado recientemente (2017) de mano de la editorial Ponent Mon en una edición en cartoné integral con formato muy similar a las novelas gráficas publicadas en nuestro país, alejada de la estética tankoubon que suelen tener los mangas de nuestras librerías.

    El manga que tenemos entre manos hoy, no es precisamente de digestión fácil, pero todo aquel que esté familiarizado con la obra de esta mangaka sabrá que suele enfocar su trabajo en diferentes aspectos no muy cómodos acerca de la mujer en general y la nipona en particular.

En Gorda podremos ver la progresiva caída a los infiernos de la protagonista, Noko. En un principio la encontraremos relativamente feliz: tiene trabajo y ese consabido novio que la quiere y que tan importante es para las mujeres japonesas que la rodean. Sin embargo la rápida entrada en escena de la villana Mayumi, que atacará las diferentes debilidades de Noko y que provocará, entre otras cosas, idas y venidas con su propio novio, hará que cambie el chip y se sumerja en una espiral negativa que la consumirá sin que parezca que a nadie le importe, incluida ella misma.

Se nota que es una de sus primeras obras en solitario y, aunque ya toque ciertos temas oscuros que pueblan su obra posterior, incluido ese componente de crítica social de la cual Moyoco Anno suele hacer gala (no en vano se trata de una discípula de la conocida mangaka Kyoko Okazaki, conocida en su país por sus obras que denuncian diferentes aspectos de la vida social de la mujer y de los valores que la sociedad intenta imponerle), el desarrollo del argumento no llega a alcanzar su máximo potencial.

Al final, Gorda se queda en una historia de clichés y personajes arquetípicos que apunta maneras. Si  nos centramos en el personaje principal, Noko, vemos que ella jamás es dueña de sus propias acciones y que sólo actúa por el impulso que otros personajes han generado en ella. Es una protagonista tan poco carismática que acaba siendo complicado empatizar con ella. Además, el desarrollo de su enfermedad y que formaría la trama principal del manga, se hace precipitado. Tampoco acaba de quedar bien desarrollada la subtrama de la malversación ni termina de darle forma al personaje de Mayumi, que se queda con la figura del psicópata social arquetípico que puebla multitud de historias.

Sin embargo, y a pesar de no ser una de las obras más brillantes de la autora, Gorda es una lectura imprescindible. Primero, porque no todos los días se publica en España una obra que aborde temas que van desde el maltrato psicológico hasta la bulimia de forma tan directa y brutal que no deja indiferente; segundo, porque hay que dar la oportunidad a esas grandes autoras poco conocidas en nuestro país y no tan top ventas que arriesgan y prueban a expresar historias que de corte social; y tercero, y es que este tipo de historias traspasan la frontera del “manga” para llegar a ser más una “novela gráfica” y en consecuente, que sea más atrayente al público generalista no especializado en cómics, tanto por el tratamiento del cómic en sí realizado por la editorial con una edición que imita a otras obras publicadas así en España como por la temática que la autora impuso en una obra por la cual han pasado veinte años y que sigue estando, por desgracia, de plena actualidad.


Ficha Técnica

Nombre original: Shibou to Iu Na no Fuku o Kite   (脂肪と言う名の服を着て)

Autora: Moyoco Anno

Editorial japonesa: Shodensha (2002) ; Shufu to Seikatsusha (1997)

Editorial española: Ponent Mon (2017)

Tomos: 1

Género: Josei

Más detalles de la serie de TV de "The ancient magus bride"


Tenemos más detalles sobre la próxima adaptación a la serie de anime del conocido manga de Koré Yamazaki, The ancient magus bride, editado en España por Norma Editorial.

La adaptación correrá a cargo de Wit Studio, que también se encargó de la adaptación de la OVA The ancient magus bride: Those awaiting a star. El staff encargado de la serie de TV será prácticamente igual al anterior y contará con Norihiro Naganuma para la realización y la adaptación del guión y con Hirotaka Katô para el diseño de personajes. También se conservará la gran mayoría de los seiyuus.

La serie se estrenará el próximo octubre y contará con 24 episodios divididos en dos partes.

Fuente: Mangamag

En este rincón del mundo

La aproximación a un relato histórico de guerra es una tarea complicada. El papel es siempre resistente al peso de cualquier ficción, pero no así la audiencia cuando se la enfrenta al dolor de eventos suficientemente recientes para que aún quede con vida quien los recuerde. A 72 años del peor bombardeo de la historia, las heridas de Hiroshima siguen tan abiertas como destrozada permanece la Cúpula Atómica, en su constante recordatorio al mundo de algo que jamás deberá repetirse.

Al hablar de una película animada sobre el bombardeo de Hiroshima, es imposible no pensar inmediatamente en La tumba de las luciérnagas o Gen de pies descalzos. Sin embargo, mientras estos dos títulos se centran en el horror inmediato de la bomba, En este rincón del mundo da un salto hacia atrás para centrar su visión en un panorama más amplio en el tiempo y espacio. Un retrato que empieza en una próspera prefectura de Hiroshima que, gradualmente, se va degradando conforme avanza el conflicto hasta llegar al trágico desenlace conocido por todos.




El largometraje es una adaptación del manga homónimo de Fumiyo Kono, mangaka originaria de Hiroshima quien ya había explorado este tema en su premiado La ciudad al atardecer. El país de los cerezos, las dificultades de la posguerra y las secuelas sufridas por los supervivientes en dos historias cortas llenas de melancolía, pero también humor y optimismo. En esta ocasión, su relato acerca de la guerra es vertebrado por la vida de Suzu, una joven alegre y despreocupada con tendencia al escapismo de la mano de su talento para el dibujo. Tras un matrimonio arreglado, se traslada al hogar de la familia de su marido en Kure, a una hora en tren de Hiroshima y uno de los más importantes puertos militares del país. Aunque el hilo argumental se centra en la vida familiar de la protagonista, las circunstancias que le rodean muestran claramente el deterioro de la sociedad a medida que crece el racionamiento de los alimentos, aumenta el contrabando de bienes, el control de las autoridades es más represivo, los ataques aéreos se vuelven cotidianos y aguantar un día más ya es un logro. Esta historia es también la lucha diaria de Suzu contra viento y marea para preservar su rico mundo interior a través de sus dibujos, en los que recrea postales urbanas o paisajes rurales de su entorno, pequeños mundos estáticos e inmaculados.

El frágil equilibrio de Kono entre la esperanza y el desconcierto está muy bien trasladado por el director Sunao Katabuchi a la hora de adaptar la atmósfera del manga al terreno animado. El estilo particular de la autora le permite relatar eventos de una increíble dureza con una naturalidad que en ocasiones puede llegar a ser incluso cándida, desnuda, sin valoraciones. Los lazos comunitarios ayudan a los supervivientes a seguir adelante, sin más heroísmo que el de seguir en pie. Los personajes son humanos que aunque siguen su instinto de superación, en ocasiones también sucumben a la frustración y la rabia. Caen, pero vuelven a levantarse. A pesar de todo, prevalece por encima de todas las cosas una visión optimista y llena de esperanza respecto a la naturaleza humana y la sociedad que le rodea.

Ficha Técnica


Nombre Original: Kono Sekai no Katasumi ni

Director: Sunao Katabuchi

Estudio: MAPPA

Año: 2016

Género: Drama, Histórico

Categoría: Josei/Seinen

Jamás tendré 20 años

Jamás tendré 20 años de Jaime Martín (Sangre de Barrio, Las guerras silenciosas), publicado por la editorial Norma en noviembre del 2016, es uno de los mejores cómics españoles de este año y, probablemente, una de las obras más personales del autor. Se trata de la propia historia de sus abuelos maternos, explicada con veracidad y sensibilidad, que nos narrará cómo en medio de la terrible guerra que asoló España del 1936 al 1939 quedó espacio para la valentía y el amor. La dura posguerra marcó los destinos de Jaime e Isabel, protagonistas inmortales ya de este cómic, que con agudo ingenio consiguen llevar un buen plato de comida para sus hijas cada día a la mesa.

El pasado salón del cómic de Barcelona, celebrado en abril del 2017, lo elevó como mejor obra publicada en el 2016 en España, y en esta reseña intentaremos dilucidar los motivos que lo han llevado a hacerse con tan preciado galardón.

Argumento


Ciudad de Melilla, 1936. Isabel es una humilde modista que trabaja en un taller de costura y que emplea sus horas libres en ganarse un sobresueldo, visitando casas y haciendo vestidos a domicilio. Isabel se acaba interesando por la CNT de Melilla, principalmente gracias a su amiga Rosa, la cual también le está enseñando a leer y escribir. Uno de los clientes de las casas que visita, le avisa de que los militares se están llevando a los anarquistas a “dar el paseíllo”. 

La chica consigue escapar por los tejados de la ciudad y llegar hasta Barcelona, en donde conoce a Jaime, que ha vuelto del frente para cuidar de su madre enferma. 

Jaime e Isabel se enamorarán y formarán una familia, a la cual mantendrán en gran medida gracias al estraperlo y a otras formas de trabajo creativas, con tal de que sus hijas no pasen por las mismas penurias que sufrieron ellos en la guerra. 

Opinión


Comenzaré esta reseña lanzando una pregunta al aire ¿Es Jamás tendré 20 años un cómic novedoso? Si os digo que va de la guerra civil me diréis “¿Otro más?” Los surcos del azar, el arte de volar, el ala rota, Paracuellos… son varios de los títulos que narran este período histórico haciéndose valer del arte secuencial. Creo que la aparición de este tipo de obras, narradas de una forma más cercana a la novela que a la idea clásica que el público general tiene sobre los cómics, no hace más que constatar la madurez a la que el lenguaje del cómic ha llegado, y el nivel de perfección que de su uso, hacen los autores españoles.

Jaime Martín ha conseguido, gracias a la historia de sus abuelos maternos, firmar una de las mejores obras que el 2016 ha dado al mundo del cómic. Siguiendo la estela de obras anteriores, este cómic es una obra de madurez, tanto a nivel narrativo, el cual es fluido y va saltando de un escenario a otro sin demasiados sobresaltos, como a nivel visual, en donde podemos ver cómo el autor ha alcanzado su madurez artística con esta obra. El color es algo importante y siempre destacable en las obras de Martín, ya que sorprende por el uso que realiza de la paleta para dar dramatismo a las escenas o provocar sensaciones en el lector.

El cómic abarca un período grande de tiempo, desde la juventud de Isabel, verdadera protagonista de esta historia, hasta que sus hijas son adultas. Isabel es uno de esos grandes personajes que todos tenemos metidos en el subconsciente, puesto que no deja de ser el fiel reflejo de multitud de madres que, durante la posguerra, utilizaron su inteligencia para que a sus familias no les faltara de nada.

La edición original es la francesa de Dupuis, aparecida en octubre del 2016 con el nombre Jamais je n’aurai 20 ans y que cuenta con una edición normal de 24 euros y otra especial de 35€. Poco después, en noviembre, hizo aparición la española de mano de Norma Editorial con una edición similar a la francesa simple en cartoné por 22 € y con un leve cambio en la portada para hacer un guiño al logo de la CNT.

Para concluir, Jamás tendré 20 años es un imprescindible en vuestras bibliotecas de cómic, una obra para leer y para regalar con la que seguro que acertáis.

Ficha Técnica


Título Original: Jamais je n’aurai 20 ans

Autor: Jaime Martín

Editorial original: Dupuis 2016

Editorial española: Norma editorial 2016

ISBN 9788467924701

Precio: 22 €

ECC tercera salida julio '17



Novedades de ECC para la tercera tanda de julio.


Koukyou Zen 60


Llega nuestro publicación a un número nada desdeñable, el 60. Con este especial que os hemos preparado para un verano que como siempre se hace corto, esperamos que lo podáis disfrutar móvil/tablet/ordenador en mano con una bebida bien fresquita (o calentita, dependiendo desde dónde nos leáis).

Este número cuenta con la especial colaboración de Meik Cobain, que nos ha hecho nuestra muy especial y nórdica portada que esperamos que os guste tanto como a nosotros.



Ya en páginas interiores encontraréis reseñas de últimos éxitos como Yuri on Ice! realizada por Sakura, The seven deadly sins por Tote, Akame ga Kill! por Nicso-San y  anime más clásico de manos de nuestro Scabbers con Otaku no video. 

No nos olvidamos del cómic occidental con reseñas de mano de Ysora del último premio del salón del cómic de Barcelona, Jamás tendré 20 años, y Camisa de Fuerza de manos de Calistina, que también entrevistará a su dibujante, Guillermo Sanna.


Todo esto y más en sus páginas interiores. Como siempre, os dejamos aquí los enlaces de descarga:

Scribd (online)

Cine Freak Salvaje: En los límites de la realidad.


     —¡ATCHUÁ! - el aire está lleno de polvo, como siempre que hacemos la limpieza de los armarios, y me hace estornudar. Hacer el cambio de armarios siempre es molesto, fatigoso y aburrido, pero ya no podíamos retrasarlo más, había que sacar la ropa de verano. ZombiD, el tiíto Creepy y yo estamos equipados con delantales, pañuelos en la cabeza, plumeros y paños de agua jabonosa, y tenemos toda la ropa de invierno ya empaquetada. Mi novio, subido a lo alto de la escalera, va sacando las cosas del altillo superior mientras el tiíto las recoge y deposita en el suelo, y yo me encargo de fregotear el piso inferior, ya despejado.

     —Bañadores y toallas de playa... - va diciendo D mientras saca paquetes etiquetados. - pelotas y juegos de playa... cubitos y palas para jugar en la arena... un bolso de rafia... una silla plegable... un cadáver de babosa bípeda caníbal ciega... 
   
      —¡Puagh; voy a sacar esto antes de que apeste todo el castillo! - dice mi tiíto y coge el cuerpo inerte y chorreante de la criatura para sacarlo a rastras al jardín. El que los armarios del castillo sean portales a dimensiones paralelas viene la mar de bien para guardar cosas en el cambio de estación, ¡siempre hay sitio para todo! Pero también tiene sus inconvenientes, y es que si no encuentras algo, es mejor que se quede perdido antes que ir a buscarlo. Claro que a veces, también encuentras algo que no habías visto jamás; en los armarios han aparecido vestidos, juegos, y toda clase de objetos procedentes de otros armarios de distintas partes del mundo. Si alguna vez se os cae un dado de la mesa y éste nunca vuelve a aparecer, estad seguros de que saldrá entre las bolsas de nuestros armarios la próxima vez que los limpiemos. Claro que mis armarios, no son la única puerta a otra dimensión, hay otra muy cerca de vosotros, una que se abre con la llave de la imaginación, y de ella vamos a hablar. Hoy, en Cine Freak Salvaje: En los límites de la realidad. 

     


  Hoy día, mucha gente me dice que esta es la edad dorada de las series televisivas, que nunca se habían hecho tantas, ni tan creativas como ahora, y que nunca se había conocido un estallido de series como el actual. Y como yo soy una persona a quien no le gusta romper la ilusiones de los demás, no les digo que lo llevan peor que ese que creyó haber dado con la solución para comprar gasolina, vendiendo el coche. Lo que sí puede que sea cierto es que ha sido en las dos últimas décadas (sí, queridos nietecitos, ya estamos acabando la segunda década del siglo XXI) cuando más series extranjeras han llegado a España y sido aceptadas por el público, pero éste no ha sido -ni mucho menos- el primer boom de series. En los años treinta, ya los seriales radiofónicos copaban buena parte de la programación del marconiano invento, y en los cincuenta y sesenta, en los Estados Unidos se vivió la primera edad dorada de las series televisivas. Desde comedias costumbristas como Te quiero, Lucy, a la ciencia ficción de papel de aluminio de las series de Irwin Allen como Perdidos en el espacio o El túnel del tiempo, pasando por Los Munsters o el primer Batman, los años sesenta fueron la verdadera edad dorada de las series. Y una de ellas, fue precisamente En los límites de la realidad. 



     En los límites de la realidad, también conocida como La zona crepuscular o La dimensión desconocida, se trató de una serie de los años cincuenta y sesenta creada por Rod Serling. Al estilo de los episodios de "Alfred Hitchcok presenta", cada entrega contaba una historia completa e independiente de las demás, en las que siempre se intentaba sembrar el miedo o la inquietud en el espectador. La serie tuvo un gran éxito de público y crítica y se rodaron nuevas temporadas de la misma en los años ochenta y principios del 2000, y también durante la década de los ochenta, surgió la idea de llevar la serie, a cine. 


   De la mano de John Landis y Steven Spielberg, grandes adoradores de la serie original, y con guión de ellos mismos y Richard Matheson (autor de reconocido prestigio, con novelas como La mansión infernal en su haber), se creó una adaptación fílmica que constaba de cuatro episodios, tres de ellos eran revisiones de capítulos ya existentes, y otro de ellos creación original para la cinta. Las historias de historias, en el cine de terror o ciencia-ficción son relativamente comunes, como podemos ver en cintas como Refugio macabro, y la celebrada Sin City o la divertida Cuatro habitaciones también se crearon en base al mismo sistema. Se trata de un recurso muy efectivo que permite disfrutar de varias historias en una sola proyección, que cada una sea protagonizada por un actor conocido, dirigida con los toques de un director determinado, y que no permite que la acción decaiga o se haga pesada por una duración excesiva; aquí, el espectador no va a contar con más momentos de respiro que la narración que separa a un cuento de otro, lo que permite una inmersión cinematográfica muy alta, y una sensación constante de deseo infantil, de "cuéntame otro cuento". 


     En la introducción de la cinta podemos ver a dos hombre haciendo un viaje en coche (uno de ellos
es un joven Dan Aykroyd. Aún ni se había puesto el equipo de protones, puesto que Los Cazafantasmas se estrenaría casi dos años más tarde). Al estropearse la cinta musical que están oyendo, deciden jugar a adivinar programas de televisión tarareando las canciones de los mismos. Uno de los temas, es el perteneciente a la serie en la que está basada nuestra película y, hablando de ella y del miedo que se pasaba, el personaje de Aykroyd le pregunta a su acompañante si le gustaría ver algo que dé miedo de verdad. En la primera historia, conoceremos a un hombre amargado, un terrible racista que piensa que su país está dominado por judíos, negros, chinos... y que éstos le roban las oportunidades y cosas buenas que deberían ser para él. Cuando, enfurecido porque le han llamado la atención, abandona el bar en el que estaba, descubre con asombro que ya no está en el aparcamiento, sino en la Francia ocupada por los nazis, quienes le toman por un judío. Cuando trata de escapar, se encuentra siendo cazado por el Ku-Klux-Klan (entre los extras, vemos a un jovencísimo John Larroquette. Si no le conocéis, aquí va otra serie; Juzgado de guardia), o perseguido por el ejército en Vietnam...*

 
 En la segunda historia, nos trasladamos a una residencia de ancianos en la cual sus inquilinos, aburridos y desencantados, ansían volver a ser jóvenes. Un nuevo residente, el sr. Bloom, les invita a que jueguen una vez más como niños, y para ello, quedan esa noche para jugar al escondite. Cuál no será su sorpresa cuando durante su juego, se convierten en niños. En la tercera historia, una joven maestra está a punto de atropellar accidentalmente a un niño con su coche y, preocupada por él y por haberle estropeado la bicicleta, le lleva a su casa. En la misma, todo es tan colorido como extraño, y los familiares parecen tener miedo del chiquillo. Por fin, la cuarta historia, protagonizada por John Lithgow, nos cuenta la desventura de un hombre con pánico a los aviones que se encuentra precisamente en uno. Al mirar por la ventanilla, cree ver fuego en un motor y a alguien en el ala, intentando arrancarlo. Su horror causará preocupación en el personal de vuelo y miedo y antipatía en el resto del pasaje, pero se desbocará por completo cuando se dé cuenta de que no se trata de ninguna alucinación producida por el miedo (en varios episodios de la serie Cosas de marcianos, protagonizada asimismo por John Lithgow, se producen varios guiños a éste cuento). Si he de elegir uno, éste sería mi favorito.


     En los límites de la realidad es una película bien llevada, cuya factura nos deja ver que sus
creadores estaban en todo momento haciendo algo que les gustaba, acerca de algo que les gustó más aún, que les hablaba de su infancia y de su amor por los contenidos audiovisuales y las historias emocionantes. Es una película entretenida, que quizá no llegue a producir terror si pensamos en sustos, pero sí nos ofrecerá historias inquietantes, que nos emocionarán, nos mantendrán en tensión y nos harán pensar. Y si alguna vez alguien os pregunta si queréis ver algo que dé miedo de verdad, por si acaso: decidle que no. Cinefiliabilidad 4, lo que significa que es fácil de ver, pero es más bien una pieza histórica y un compendio de historias curiosas y extrañas, que una cinta de auténtico miedo. 

     *Durante la secuencia de Vietnam, vemos a un pelotón de soldados extraviados, y uno de ellos dice "os dije que no debíamos haber matado al teniente Niedermeyer". Me chocó. ¿No era suficiente decir "al teniente"? Y como yo soy así, tuve que parar la película y ponerme a buscar. En efecto, allí había un guiño. En la película Desmadre a la americana (Animal House. De los títulos traducidos ya hablaremos otro día), en el epílogo, nos dicen que un personaje particularmente antipático, fue asesinado en Vietnam por sus propios hombres. Ese personaje, se llamaba Niedermeyer. Por favor, un aplauso para John Landis. 


Conductores que pueden llevarte muchísimo más lejos de lo que te gustaría. Menos mal que no es taxista.


"¿Les apetece fruta, u otra clase de postre?" Si no coges esta frase, tienes que ver más cine. 

Trampas Agridulces

A veces es difícil decantarse por autores poco conocidos. Fandogamia apuesta por abrir mercado en su línea Yamanote y nos trae este tomo único de Mai Ando.

Tres historias cuyo nexo común es el chico que pasa de ser un buen amigo a alguien más especial.

En el primer capítulo, la vida de Momo, capitana del equipo de baloncesto y con poco tiempo para amoríos, ve como el chico nuevo de primero resulta ser su gran amigo de la infancia Jun Saeki. No sólo ha cambiado físicamente, le confiesa abiertamente que lo ha hecho por ella y que está dispuesto a conquistarla.
Para que caiga rendida a sus encantos, hace uso de toda suerte de trampas...

¿Me puedo derretir? es el título del 2º episodio en el que Honda y Yoshizaki salen juntos, pero ella no quiere decírselo a nadie, por miedo a no estar a la altura, ya que él es apodado Príncipe cremoso y muchas beben los vientos por él...

Un triángulo amoroso formado por Ryo, Nanami y Ryuhei tendrá un final inesperado en la cabeza de los tres integrantes en el 3er capítulo del manga.

Mai Ando es una mangaka que ha despegado hace relativamente poco. Concretamente en 2013 en la Sho-Comi (Shogakkukan) con títulos como Ochite Chika Chika o Kuuki-chan to Yankee-kun . Su género es el shôjo sin duda y su dibujo y narrativa así lo plasman.
Figuras estilizadas, personajes masculinos muy andróginos y carencia de fondo, son el santo y seña de esta mangaka que junto a Kokoro Ayumi o Mamura Mio, se presentan como el futuro de un género que cada vez tiene más demanda y cuyas historias románticas invitan a soñar.

No son historias profundas y un solo tomo no da para profundizar ni en los personajes ni en la historia, pero sí para pasar un buen rato y analizar esa edad estudiantil en la que el físico, el carisma y la experiencia, parecen ser el ombligo del mundo.
Cuando alguien como Momo se dedica más al baloncesto que en buscar "novio" se convierte en la rara avis de toda adolescente (en término social). Mai Andou suele ahondar en ese período en el que las ideas están confusas y las mariposas en el estómago despiertan con alguien que siempre ha estado allí. Como también sucede en Shinkon Gokko y en el resto de sus obras, todas son volúmenes únicos, salvo Sanrio Danshi - Oretachi, Koi, Hajimemashita que consta de dos tomos; lo que nos confirma que son mangas sencillos, entretenidos y fáciles de leer.
Os invito a la vuelta a ese período escolar, a pensar en qué hacíamos entonces (los que estáis en ello, disfrutad) y descubriréis que existe ese amigo/amiga especial que, pasados los años, nos evoca a los tiempos cuyas preocupaciones solían estar rodeadas del aspecto físico.

Ficha Técnica:

Nombre Original: Amakute Zurui Wana no Naka

Autor: Mai Ando

Género: Romance, vida escolar

Categoría: Shôjo

Año publicación: 2014 (Japón), 2017 (España)

Nº Tomos: 1

Editorial: Fandogamia

Entrevista a Jorge Jiménez

Había una vez un granadino que cambió a la Nube Kinton de Son Goku por la capa de Supermán; empezó con una adaptación al cómic de All Summer in a Day y ya no hay superhéroe que se le resista.

Jorge Jiménez despegó ya hace tiempo de esta Tierra para conquistar otros mundos y DC le brindó la oportunidad de hacerlo.
De Granada al cielo.

KZ- Ha llovido bastante desde tu primer cómic All Summer in a Day (adaptación de la novela de Brad Radbury). ¿Cómo llegas a IDW Publish?

JJ- Pues mi vida dio un giro a los veintitantos años y decidí dejar mi carrera de E.F de lado para centrarme en ser dibujante, así tras muchas horas de práctica y cuando finalmente pude tener algo de material semejante a lo profesional, un agente especializado, Eduardo Alpuente, se fijo en mi y me abrió las puertas al mundo del cómic.

KZ- ¿Cuáles son tus autores fetiche? Dicho de otra forma, ¿qué autores te inspiraron para dedicarte al dibujo?
JJ- Akira Toriyama, de Bola del Dragón y Masashi Kishimoto, sin duda alguna, el manga y en su defecto el anime, han sido un pilar decisivo en mi pasión por el dibujo.

KZ- Tu gran triunfo podría decirse que es Smallville, la que te catapultó. Háblame de ella, cómo llegas a ella..

JJ- Smallville, escrita por Brian Q Miller, uno de los guionistas de la propia serie de TV, no fue propiamente mi gran triunfo, aunque para mí fue muy especial, sin embargo, sí fue una ventana de mayor audiencia que hizo que mi trabajo fuera visto por mucha gente, además por primera vez en mi vida estaba dibujando a Superman, es por eso que recuerdo como si fuera ayer, la presión, los nervios, las dudas pero sobre todo, la ilusión, con la que trabajé en ella.

KZ- Has dicho en reiteradas ocasiones que no copias, observas para no perder detalle. En Tierra 2: Society el personaje de Green Lantern tiene tu físico. ¿En quién te has inspirado para el resto del elenco?

JJ- Nunca he dicho eso, je,je, sin embargo sí he dicho que cuando era pequeño, mi madre no me dejaba copiar dibujos, no sé porque, supongo que ella imaginaba que así trabajaría más mi capacidad de retención de detalles y creo, que en mi caso, fue un ejercicio muy acertado. En Earth 2 Society, el que mas se parece a mi es Dick Grayson, por el peinado y la barba y tal, aunque generalmente los dibujantes tendemos a hacer estructuras anatómicas con las que estamos más familiarizados en muchos de nuestros personajes principales. Yo en muchas ocasiones utilizo mi propio cuerpo como referencia directa, y en este cómic lo hice bastantes veces con varios personajes, sí, incluido Green Lantern. Obviamente es una versión muy mejorada, jaja! Por más que entreno no consigo tener ese abdomen que le pongo a los supers ni de cerca!

KZ- La portada de Superman en Rebirth supone el cúlmen a una carrera en la que sabemos que a este superhéroe le tienes un especial cariño. ¿Qué sentiste cuando te la encargaron?

JJ- Antes de esto viene mi papel en la serie regular, mucho más importante que lo de las portadas alternativas de ahora, ya que hice varios capítulos e incluso el Anual primero de todo el Rebirth. Pues fue un pasito más en esta aventura y uno de los logros que más ilusión me han hecho desde que empecé a trabajar, además las criticas fueron mas positivas de lo que esperaba y esto me cargó de energía para comenzar muy fuerte la serie Super Sons.

KZ- Supersons significa total libertad para dibujar a tus personajes (todo y que en Tierra 2, ya hiciste tus propios diseños); no obstante, tu vena “manga” aflora en varios de ellos (la armadura de Wonder Woman, por ejemplo, inspirada en Saint Seiya). ¿Cuál sería tu autor mangaka favorito y por qué?

JJ- Akira Toriyama, para mí es incomparable, no fue casualidad lo que hizo con Bola del Dragon, rompió todos los muros y unificó al mundo entero a los pies de una serie. Probablemente Goku, sea el personaje de cómic más dibujado por los fans de la historia, pondría la mano en el fuego al decir esto.

KZ- Hablando de Supersons… Sabes que corre por las redes sociales la idea de un shippeo con los personajes. ¿Te ves dibujando alguna escena yaoiesca para deleite de las fujoshi?

JJ- No, no lo veo, son niños, Jon tiene 9 años, pero que los fans tengan las fantasías que quieran y las dibujen pues lo respeto sin duda alguna.

KZ- Es innegable que a todo dibujante le gustaría hacer su propia historia, no solo dibujar por encargo. ¿Qué historia te gustaría contar si tuvieras total libertad en guion y dibujo?

JJ- Supongo que alguna de superación, tipo shonen.

KZ- Vayamos al otro lado. ¿Qué tiene que tener un guion para resultarte atractivo (más allá de superehéroes)?

JJ- Agradezco especialmente cuando los personajes están bien construidos, cuando cada uno es plenamente reconocible, y coherente. Esto no es fácil de conseguir, y en mi opinión marca la diferencia.

KZ- El color es una premisa en el cómic americano, pero tus tintas son fabulosas. ¿Te has planteado sacar alguna versión en b/n? ¿Hay alguna posibilidad de que se edite algún artbook en b/n?

JJ- A mi personalmente me encantaría, aunque sé que no es nada fácil conseguir esto.

KZ- Durante el proceso del cómic hay varias fases, los bocetos, tintas, tramas.. ¿En cuál estás más cómodo? ¿Dónde disfrutas más?

JJ- Creo que la fase del dibujo es la más bonita, o al menos lo es para mí, me encanta enfrentarme a la página en blanco y realizar trazos sueltos para ir dándole forma a las ideas que previamente han aparecido en mi mente.

KZ- La última pregunta. Se me da bien dibujar, tengo mucha idea. ¿Qué consejos me darías para llegar a tu nivel? (ya tengo pijama, mesa, café y utensilios para dibujar)

JJ- Mi consejo sería que nunca trates de llegar a mi nivel, simplemente trata de sobrepasar tu nivel poco a poco, de intentar aprender recursos nuevos cada vez, perder el miedo a dibujar cosas que no te suelen salir bien, e intentarlo igualmente, y las que te salen bien, pulirlas siempre a mejor.. Cuando estés bloqueada, piensa en que haría alguien a quien admiras mucho en esa situación, por ejemplo, tienes que hacer una escena de acción en pagina completa y no tienes idea de como componer la pose, piensa: si el guion de esta pagina lo hubiera leído por ejemplo… Frank Miller. que habría hecho el?? y que habría hecho Madureira, y veras así empiezan a llover las ideas. Yo lo hago mucho. Siempre hay alguien mejor en todo, y creo que tratar de ver como piensan aquellos que nos superan es un ejercicio muy bueno y que ayuda también a formar con firmeza tu propio camino en base a las decisiones que sueles tomar.
Muchísimas gracias por todo!

El expreso de Tokio

En nuestra época actual, si un detective o policía desea saber si el señor X viajaba en un avión en concreto, le basta con llamar a la compañía y allí se lo dirán en unos momentos. Si quiere saber a qué hora sale un tren determinado, es suficiente con mirarlo en internet, en segundos tendrá la hora exacta. Incluso si quiere saber qué tiempo se tarda en desplazarse caminando de un punto a otro, también desde internet puede saberlo en los pocos segundos que tarde en hacer la consulta. Pero hubo un tiempo, no tan lejano en términos relativos, en el que todo esto exigía mucho más trabajo, y debía realizarse manualmente. En la novela que nos ocupa, El expreso de Tokio, la acción se sitúa en el año 1957, momento en el que toda esa investigación, esas comprobaciones “de fondo” que hoy día ocupan segundos, allí ocupaban la mayor parte del tiempo, y no eran en absoluto comprobaciones “de fondo”, sino por completo principales.

En la rocosa y árida playa de Kyushu son encontrados los cuerpos sin vida de una pareja. Ella era camarera; él, un oscuro funcionario implicado en una trama de corrupción. Lo que en un principio parecía un simple suicidio sentimental, debido a ciertos detalles, no termina de encajar como tal. El maduro policía Juntaro Torigai se da cuenta de que la pareja no viajó junta todo el tiempo, y él comió solo, sin que ella le acompañase para nada. Tal actitud le choca en una pareja que supuestamente se dirige a suicidarse por amor, y comunica sus sospechas al detective Mihara de la policía de Tokio. Éste, viendo base para sospechar, empieza a indagar. Lentamente.

Seicho Matsumoto (1909-1992) nació en una época en la que eso de estudiar, quedaba para los ricos que pudieran permitírselo; él completó los estudios elementales y hubo de ponerse a trabajar para que, poco más tarde, su trabajo fuera interrumpido por la Segunda Guerra Mundial. Fue durante ésta época que empezó a plasmar sus ideas y vivencias por escrito, apoyándose para ello en los innumerables textos que había devorado desde su adolescencia. Finalizada la contienda, empezó a trabajar como periodista y publicó su primera novela, si bien no sería hasta la segunda, Kokura Nikki (The legend of the Kokura diary, no traducida al castellano) que empezó a conocer el éxito como novelista y pudo dedicarse plenamente a ello.

Como periodista que era, su estilo es directo y conciso, dando al lector la mayor cantidad de información posible en frases cortas y siempre concretas, huyendo de metáforas o circunloquios. A diferencia de otros autores, en los que suelen presentarnos una o varias subtramas en la novela negra, Matsumoto nos habla de la investigación y sólo de la investigación; sabemos poco o nada acerca de la vida privada de los detectives, o sus problemas personales. Tampoco vemos al antagonista más que cuando el detective habla con él, no existe ninguna trama secundaria. En lugar de ello, vemos la investigación cuidada detalle a detalle. Cada paso que el investigador da, cada puzzle que resuelve, cada deducción que hace, nos son presentadas al milímetro, casi más como un “cuaderno de campo” que como una novela en sí, si bien la narración es exhaustiva y no se pierde en ningún momento.

Este estilo narrativo hace que a veces, sin perder interés, la obra se haga un poco árida, debido a que se trata igual que una noticia, con datos exactos que permiten la aproximación a la deducción y que nos dejan trabajar codo con codo junto al detective. Es así una novela poco al uso, puesto que no existe ningún tipo de alivio cómico ni secundario, y porque vemos que el trabajo policial no está basado en la acción, ni los investigadores son inteligentísimos que descubren al culpable en pocos segundos sólo mirando qué tipo de cigarrillos fuma. En la novela que nos ocupa, los detectives son más bien al estilo de Colombo: se dan cuenta de que hay algo que no encaja, empiezan a tirar de ese hilo, y comprueban las coartadas. Y si para comprobar una coartada han de tirarse día y medio mirando una lista de personas y hablando con ellas una por una, lo harán.

A pesar de empezar a publicar sus novelas entrado ya en los cuarenta, no por ello Seicho Matsumoto nos dejó poco legado; fue un escritor muy prolífico que nos dejó más de cuarenta novelas, amén de obras de investigación histórica y relatos cortos; algunas de sus obras han sido llevadas al cine y se le sigue considerando un referente y uno de los mayores autores de novela negra en oriente.

Ficha Técnica


Autor: Seicho Matsumoto
Editorial: Libros del Asteroide, 2015
216 páginas.
ISBN:9788416213108
Precio: 17,95€

Nov ECC julio'17


...Y cuando llega el calor... Seguimos leyendo cómics. ECC Ediciones se adelanta al verano (antes que El Corte Inglés y todo) y muestra sus armas para combatir al rey sol:

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Entrevista a Raule

Por Calistina

Bajo el nick de Raule trabaja Raúl Anisa, barcelonés de pro cuyo amor por los cómics se tradujo en brillantes guiones. Desde RYU (1995) hasta Arthus Trivium (2016), ha trabajado con varios de los dibujantes españoles más reconocidos tanto a este lado como al otro de los Pirineos.

En este número hace doblete con las reseñas de Isabellae y Arthus Trivium.

KZ- Empezaste en el mundillo queriendo dibujar y te apuntaste a la Joso. Las tiras cómicas de Violencia Sónica no parecieron satisfacerte, así que te decantaste por dirigir las historias. ¿Fue así?

R- Siempre quise ser dibujante. Me pasaba todo el día copiando a mis autores favoritos, pasando del humorístico al realista. Por eso me apunté a la Escola Joso en el 89/90, donde conocí a muchos amigos que aún conservo. Pero fue precisamente allí donde me di cuenta de que no sería dibujante. No tenía la constancia, paciencia y voluntad que requiere ese oficio. Yo quería contar historias, eso lo tenía claro, así que fui dejando el dibujo de lado y comencé a escribir mis primeros guiones y a buscar dibujantes que quisieran plasmarlos.

Por aquel entonces tuve la gran suerte de conocer a Miguel Chaves y juntos hicimos los primeros fanzines que nos condujeron más adelante a publicar Violencia Sónica con Camaleón Ediciones. Preciosa época en la que coincidimos con Sequeiros, Monteys y el resto del Mondo Lirondo, Germán García, Álvaro López, Nacho Fernández, Sergi Sanjulián y muchos autores más.

KZ- «He tenido un sueño genial. Esto que me ha ocurrido merece una historia. Voy a hacer un cómic de él». ¿Cuántas veces has oído esa frase? Ser guionista, ¿es tan fácil como eso?

R- Si realmente quieres ser guionista, claro que es tan fácil como sentarte y ponerte a escribir. Lo que no es tan sencillo es reconocer si lo que has escrito tiene valor, si interesará a alguien, buscar a un dibujante que quiera plasmar tu guion, encontrar un editor que quiera publicarlo y que te pague por ello…

KZ- En la década de los ’90  aparece Braingel, con dibujos de Roger y estética manga. ¿Cuáles fueron tus influencias? ¿A qué mangakas admiras?

R- En esa época yo había leído Akira, Appleseed, Alita y disfrutaba por la tele Bola de Drac (DragonBall), pero poco más. El manga no era una gran influencia para mí, pero sí lo era para Roger. Hablé con él y le convencí de que podría escribirle cosas diferentes a lo que hacía regularmente con Roque González. Él no estaba a gusto con las historias de Roque, así que no le costó demasiado cambiar de guionista y probar suerte conmigo. Hicimos una historia corta para la Otaku de Norma Editorial y la revista cerró. A eso se le llama empezar con buen pie.

Desde hace muchos años sí compro mangas y veo animes y cine oriental. Hay que tener todo lo de Tezuka, Koike o Urasawa y obras sueltas como Nausicaä, del maestro Miyazaki o Death Note, de Ōba y Obata, también la mayoría de las obras de Taniguchi, JunjiIto... La lista sería interminable, aunque debo reconocer que mi gran debilidad es Tsutomu Nihei.

KZ- Continuamos con Roger Ibáñez. Amores Muertos parece el pistoletazo para esa gran aventura que es Jazz Maynard. ¿Rondaba el raterillo ya por tu cabeza o son dos cosas distintas?

R- Amores Muertos era una serie de historias cortas que recopilamos en un comic book para Amaníaco ediciones que dirige desde hace muchos lustros el amigo Jordi Coll. Esas historias eran una selección de entre las muchas que Roger y yo habíamos publicado previamente en el PenthouseComix.

Jazz Maynard ya rondaba por nuestra cabeza allá por el 2003. En el festival de Angoulême de 2004 estuvimos visitando a casi todos los editores con apenas unos bocetos de los personajes principales. Era un estilo menos realista y con pinceladas mangas, pero gustaron mucho. El problema es que no habíamos hecho ninguna página de prueba y eso es precisamente lo que un editor quiere ver. Fuimos al festival un poco de sobraos, la verdad, solo para ver las reacciones de los editores y divertirnos con los colegas. A los pocos meses se celebró el Salón del Cómic de Barcelona y, gracias al guionista Jean David Morvan y al tebeo Cabos Sueltos (Amaníaco), tuvimos una reunión con Dargaud Benelux (la división belga). Cuando nos preguntaron si teníamos algún proyecto para ellos, a Roger y a mí nos vino enseguida la imagen del trompetista canalla. ¡Por supuesto que lo tenemos!

KZ- Entre los tomos de Jazz Maynard, se publica La Conjetura de Poincaré con dibujo de Martín Sauri en el que vamos vislumbrando cómo se desarrolla una historia fantástica a partir de un hecho real; en Isabellae (con Gabor) lo mismo, a partir de un personaje real (una onna bushida), una obra ficticia. ¿Qué es lo que te atrae de la ficción? Dicho en otras palabras, ¿qué tiene que haber en una historia para que te atraiga escribirla?

R- Pues no sé muy bien qué responder… Simplemente sucede. Leo un titular de prensa y veo una posible historia ahí, a veces basta con una simple palabra o con un verso (adoro la poesía de cualquier época, fuente inagotable de títulos para historietas). Lo que sí puedo asegurar es que cuando un dibujante me propone colaborar con él y llega la hora de buscar el género y el tono de la historia, lo único que me anima a escribir es la pasión del artista. Me explico. Si el dibujante quiere hacer un cómic de piratas, no le diré la verdad, que los piratas me la traen al pairo, sino que me contagio de su entusiasmo y trato de escribirle la mejor historia de piratas que jamás haya leído. Quiero decir con esto que no siento predilección por un género o estilo.

KZ- Arthus Trivium se convirtió en un éxito desde el minuto cero en el país vecino. ¿Esperabas que fuera así? ¿A quién has sobornado para que llegue tan alto?

R- Imposible soñar con un arranque tan espectacular. Antes de publicarse el tomo 1 ya había galerías interesadas en exponer los originales, editores independientes peleándose por hacer una edición de lujo… La respuesta de los lectores y la crítica está siendo abrumadora y yo estoy muy contento, principalmente por mi compi Juan Luis (Landa). Lleva muchos años soñando con algo como lo que estamos viviendo y os aseguro que si alguien se lo merece es él, por su capacidad de trabajo, esfuerzo, sacrificio, humildad… Quien le conoce sabe de qué hablo. También estoy muy tranquilo, porque si en un futuro se acaba nuestra serie porque el personaje no interesa, a Juan Luis no le va a faltar trabajo ni guionistas que se mueran por colaborar con él. En ese sentido, tengo la agradable sensación como de “objetivo cumplido”.

KZ- A pesar de parecer muy diferentes entre sí,  las colaboraciones con los distintos dibujantes parecen seguir un patrón: dibujo bastante realista, con pocas florituras, muy expresivo y en el que el movimiento es primordial. ¿Con qué dibujante te gustaría trabajar siguiendo estas premisas?

R- Hay docenas de dibujantes españoles y extranjeros con quienes me gustaría trabajar. Principalmente realistas, cierto, porque no me veo haciendo cómic humorístico o historias para niños. Una de las cosas más bonitas de esta profesión es poder colaborar con la gente que admiras, veteranos y jóvenes, en un proyecto común.

KZ- Estamos lejos de la cultura comiquera del mercado franco-belga y las editoriales no apuestan por un producto nuevo. ¿Qué cambiarías para que nos acercáramos a su modus operandi? Si fueras editor… ¿Qué te gustaría publicar?

R- Estamos a años luz de la cultura comiquera de Francia o Japón, pero estamos dando grandes pasos para que eso cambie. La creatividad está a niveles estratosféricos, las autoras están encontrando su hueco y trayendo nuevas ideas a un medio tradicionalmente masculino, las librerías generalistas tienen su espacio para los cómics y las bibliotecas ofrecen muchas actividades sobre el noveno arte. Entre otras cosas, tenemos pendiente algo fundamental como es asentar el cómic en las escuelas, no solo como material didáctico. En fin, que hay mucho trabajo por delante.

Si yo fuera editor, tengo claro que publicaría todas las buenas historias que me llegaran a las manos, sin mirar su género ni la edad de los autores. Nada de seguir una línea editorial. Se me caería la cara de vergüenza si tuviese que decirle a un autor «tu tebeo es cojonudo, me ha emocionado muchísimo… Pero no encaja con nuestro catálogo, lo siento».

KZ- Un ratero de guante blanco, una samurái y un  discípulo de Nostradamus cuyo nexo común es la trama policíaca. ¿En qué te inspiras para escribir? ¿Llevar a los personajes al límite es parte de alguna terapia que quieras confesar?

R- Como cualquier autor, me inspiro en la realidad, en lo que veo, en las obras que leo o visiono, en algo que te han contado… Todo sirve a la hora de escribir.

Lo de llevar a los personajes al límite es mi modo de hacer que pasen cosas constantemente, de entretener al lector, de darle ritmo a la historia, de buscar un público mayoritario, vamos, de posicionarme en el lado comercial de la creación. Con Cabos Sueltos ya demostré que me gustan las historias sencillas, costumbristas, de emociones y sentimientos encontrados, pero siempre tuve claro que ese tipo de cómic no me abriría las puertas del mercado franco belga. Y Roger coincidía conmigo en este punto, por eso elegimos a Jazz Maynard como nuestro caballo de Troya. No puedes controlar el público que te va a leer, eso es imposible, pero sí procuro seguir ciertas directrices que me faciliten el camino hacia ese gran público. Nunca he pretendido premios ni prestigio, lo único que deseo es escribir lo que me apetece, que a los lectores les guste y ganar toda la pasta posible con ello.

KZ- Philippe Berthet será tu compañero de aventuras dentro de la Ligne Noir en Dargaud… ¿Con quién más tienes algún proyecto en ciernes?

R- El sello Ligne Noire lo creó expresamente la editorial Dargaud para publicar a Berthet junto a diferentes guionistas, así que lo justo es señalar que yo seré el compañero de Philippe en el álbum que ya hemos comenzado a crear. ¿Otros proyectos? Aparte de las tres series que estoy escribiendo para Dargaud y Le Lombard (Jazz Maynard, Isabellae y Arthus Trivium), he organizado y participado en un tebeo colectivo de género negro que publicará Norma. También tengo tres proyectos más de los que aún no puedo decir los dibujantes ni las editoriales, sorry.

KZ- He decidido que lo mío no es dibujar, pero me gusta contar historias. ¿Qué consejos me darías para llegar a tu nivel?

R- Si te refieres por nivel a ser profesional, solo hay tres consejos posibles: Disfruta de los mejores cómics, libros, películas y series; escribe y reescribe siempre que tengas un minuto libre y dejo el consejo más importante para el final: VIVE.

¡Un saludo a todos los lectores y gracias por aguantar el tostón!

Raule.

Isabellae

Volvemos a la BD más aventurera con este cómic de Gabor y Raule, ambientado en Japón y editado en nuestro país por Norma Editorial. ¿Quién es Isabellae y que es lo que busca realmente la pelirroja cazarrecompensas?

Argumento

Japón 1192; período Kamakura. Isabellae va en busca de su hermana, a la cual lleva intentando encontrar desde hace más de siete años, cuando se topa con un grupo de bandidos a los cuales masacra con gran habilidad, con excepción de uno de ellos, Masshiroi, al cual dejará con vida. Este se unirá después a ella al igual que el joven Jinku, un antiguo aprendiz de monje.

Este grupo viajará por Japón, por sus mares, por China y llegará hasta Irlanda para ayudar a cumplir una misión que la madre de Isabellae inició años atrás con su viaje hasta Japón, en donde conoció al padre de las dos hermanas y en donde se iniciaría una profecía que debía llevar de vuelta a Isabellae hasta la tierra de sus antepasados celtas.

Opinión

Isabellae es un cómic de aventuras con guión de Raule (Jazz Maynard, Arthus Trivium) y con dibujo y coloreado por parte de Gabor (Los Patricios), publicado originalmente por la editorial francesa Le Lombard y luego traducido y editado por la española Norma Editorial. Por lo pronto, la serie está compuesta, que no finalizada, por cinco tomos, que ya han visto la luz en Francia, a diferencia de en España, donde de momento han sido publicados cuatro de ellos.

A medida que la historia avanza, acompañaremos a Isabellae y a su grupo por diferentes lugares en busca de su hermana melliza Suiko, a la cual encontrará en tomos posteriores y le rebelará la verdad sobre el periplo de la madre de ambas, Dreide, que comenzó en Irlanda y que culminará cuando vuelvan a tierras celtas como última esperanza de evitar una gran catástrofe profetizada.

El primer tomo sobre todo es una presentación de los personajes, especialmente de la protagonista, Isabellae. A través de flashbacks, indicados por los sutiles cambios de color que utiliza Gabor, iremos desentrañando poco a poco ese pasado que tanto parece atormentar a la protagonista y que la lleva a buscar de forma obsesiva a su hermana Suiko. Una vez hechas las presentaciones y ya entrados en materia, el resto de los tomos están centrados en el propio devenir de la historia central, aventura tras aventura, sin andarse demasiado por las ramas.

El principal defecto que he podido encontrarle al cómic es la velocidad a la que transcurre la trama, especialmente del tomo primero, seguramente debido al tipo de formato utilizado para explicar la historia, el álbum europeo de 48 páginas. No obstante, también es importante remarcar que a partir del tomo dos, Raule le echa el freno y es entonces cuando podemos empezar a degustar un poco mejor a los personajes, tanto de la protagonista como de los secundarios.

La labor del dibujante, Gabor, es excepcional y consigue dar con un estilo y color propio que ambientan bien a la historia que Raule quiere explicar. Se nota que la comunicación entre ambos autores ha funcionado ya que han conseguido crear un universo aparentemente real, a pesar de contar con elementos de fantasía y de mitología tanto celta como japonesa, que el guionista ha sabido maridar haciendo que funcionen y convenzan al lector.

La edición española de Isabellae, a la que hemos tenido acceso, por parte de Norma es correcta y respeta la original francesa de Le Lombard: cartoné con papel estucado brillo con un buen gramaje, tintas a color y una excelente resolución en las 48 páginas que forman cada tomo de la saga, con un precio bastante asequible de 14 € por tomo.

Si os gustan los cómics de aventuras con regusto medieval y ambientados en Japón, ésta es vuestra historia. También muy recomendable para todos aquellos lectores que disfruten de la fantasía épica.

Ponent Mon apuesta por Furuya


La editorial Ponent Mon apuesta por Usamaru Furuya y nos traerá Joshikousei ni Korosaretai bajo el título de Autasasinofilia: ¡Quiero ser asesinado por una colegiala! y una licencia que fue anunciada por Dolmen aunque nunca se publicó: Kanojo o mamoru 51 no hōhō traducida como 51 maneras de proteger a tu novia.

Nota de prensa:

La inminente llegada del prolífico autor japonés Usamaru Furuya a nuestra editorial,será con 51 maneras de proteger a tu novia, uno de los títulos de Furuya más celebrados y pedidos por sus fans, y Autasasinofilia: ¡Quiero ser asesinado por una colegiala!, una de sus obras completas más recientes.
51 maneras es una obra que ha dado bastantes tumbos en nuestro mercado editorial. Finalmente será publicada en España, y lo hará con la mayor rapidez posible para que los fans no tengan que esperar más para poder leerla. Por otra parte, Autasasinofilia supone la publicación de la consumación de Furuya como creador de manga. La diferencia original de publicación entre ambos títulos (2006 y 2013) permite ver la evolución del artista no solo a nivel narrativo, sino también en el aspecto gráfico. Hay un nexo de unión, por supuesto: la capacidad del artista para ofrecer al lector obras de corte adulto con un alto grado de psicología humana, terror y una ironía que pocos autores consiguen desarrollar.

Nuestro plan de lanzamientos, por tanto, es el siguiente:
Autasasinofilia: ¡Quiero ser asesinado por una colegiala! #1 - Junio
51 maneras de proteger a tu novia #1 - Julio
Autasasinofilia: ¡Quiero ser asesinado por una colegiala! #2 - Julio
(en agosto no habrá novedades)
51 maneras de proteger a tu novia #2 - Septiembre
51 maneras de proteger a tu novia #3 - Octubre
51 maneras de proteger a tu novia #4 - Noviembre
51 maneras de proteger a tu novia #5 - Diciembre


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